Magiche Emozioni dell'Anima

L’artista visuale colombiana María Elcy Ramírez Cuartas posa in un angolo del suo studio, circondata da colori e pennelli, con un sorriso radioso. Foto/Per gentile concessione.

Maria Elcy Ramírez e il fascino colorato della sua opera
Di Carlos Javier Jarquín

Cari amici planetari:
Oggi ho il privilegio di presentarvi un’artista eccezionale, una donna che ammiro profondamente non solo per la sua carriera, ma anche per l’umanità che vive in lei. Mi riferisco all’artista plastica María Elcy Ramírez Cuartas, nata il 24 luglio 1954 nel comune di Siviglia, Valle del Cauca, Colombia.
Ricorda le sue origini e l’ambiente in cui è cresciuta: “I miei genitori erano Miguel Antonio Ramírez Guarín, boscaiolo di sogni montanari e caficultore di professione, e mia madre, Estefanía Cuartas Gallego, sarta d’arte; mentre lavorava cantava e scriveva versi. È lì che è nata la mia ispirazione: in un ambiente caldo, tranquillo e amorevole dove mani degne e giudiziose mi hanno insegnato il valore del lavoro onesto. Siviglia, la mia terra natale, mi ha permesso di vivere l’adolescenza tra il quartiere e il verdetale, a San Antonio.”
Crescere e vivere in campagna sarà sempre un ambiente stimolante, soprattutto per chi si dedica all’arte. La nostra intervistata aggiunge: “Crescere tra paesaggi di caffè, tramonti e albe che solo Siviglia possiede; godere dei costumi e della quotidianità della mia gente contadina ha forgiato la mia anima e il mio progetto artistico. La mia opera canta alla natura per ringraziare Dio del dono della creazione, e ai miei discendenti, che rappresento in cinque uccellini danzanti nel mezzo dei paesaggi. Questa connessione così profonda e spirituale con il paesaggio diventa melodia, lode, preghiera: un atto di amore e gratitudine che è il miglior dono per i sensi. Lo prendo come sfondo della scena principale delle mie opere, focalizzate sul rendere omaggio ai mestieri del passato che si rifiutano di scomparire. Mestieri che hanno fatto storia, civiltà e idiosincrasia; modi di essere e di pensare con un carico d’arte e tradizione che costituivano le radici più profonde dei popoli e della loro identità”.
Lo stile artistico di Elcy è costumbrista e figurativo, e affronta tematiche diverse, mettendo in evidenza questioni sociali e madre natura. Da queste righe approfitto per estendere i miei sinceri complimenti alla signora Maria Elcy, per il suo prezioso lavoro vi invito a conoscere meglio questa artista sudamericana, la cui opera artistica è, senza dubbio, brillante, è un vero onore poter condividere con voi amici lettori questa intervista. In questa piacevole conversazione abbiamo parlato delle sue influenze e dei temi che affronta, inoltre alla fine condivide una riflessione ed un messaggio rivolto ai giovani che aspirano a diventare artisti plastici.

Intervista:
Quali ricordi costanti ha della sua terra natale, Siviglia nel dipartimento di Valle del Cauca?

È impossibile dimenticare quei luoghi in cui amiamo così tanto la vita. Lì c’era la famiglia unita: mio padre, Miguel Antonio, contadino, coltivatore di sogni, che si prendeva cura della tenera per darci il sostentamento.
Ricordo mia madre con amore e responsabilità, sostenendo mio padre e occupandosi della casa mentre svolgeva il suo mestiere di sarta. In quell’ambiente familiare, semplice e tranquillo, si respirava la freschezza del clima sivigliano: la nebbia che accarezzava le montagne di caffè, il verde delle colture fiorite, la musica e i nobili contadini nel loro lavoro.

Quanti anni aveva quando ha scoperto la sua vocazione per le arti plastiche?

Non so come né quando è iniziata la mia vocazione per dipingere… posso solo dire che mi ha sempre accompagnato una sensibilità profonda per la bellezza del colore, la sua armonia nella natura e il piacere che mi produceva così da vicino, nella tenuta di mio padre, il canto degli uccelli, l’odore della guaiava matura, il profumo del caffè appena tostato e la mia gente contadina che cura con tanto amore la terra. Quei sentimenti purissimi si sono trasformati in un desiderio interiore, una scintilla di emozioni che in qualche modo dovevo esprimere; fin da giovane ho iniziato a dipingere.

In che modo ha influenzato la sua opera il fatto di essere cresciuto tra paesaggi colorati e naturali come quelli del suo popolo?

Con orgoglio posso dire che Siviglia è stata dichiarata dall’UNESCO “Patrimonio dell’Umanità” nel giugno 2011. Siviglia è anche la “capitale del caffè della Colombia”.
Sento che questo rapporto con la terra, la sua generosa biodiversità, l’aria pura, la temperatura media di 20 gradi centigradi, la vita semplice, la dignità e la saggezza dei miei contadini e tanta bellezza naturale hanno fatto sì che il paesaggio fosse ricorrente nella mia opera e luce sognante per i miei sensi. Il ritorno alla semplicità e all’armonia della natura è ciò che mi ispira di più.

Sua madre era appassionata di musica e poesia. Cosa pensava dei suoi primi lavori artistici?

Era così emozionata. Anche lei era una modista, un essere umano pieno di nobiltà e tenerezza, con una sensibilità così genuina che, senza accorgersene, fu d’ispirazione per i suoi figli. Il suo amore incondizionato, la sua pazienza e saggezza rafforzarono le nostre illusioni, ed è così che ognuno dei suoi quattro figli raggiunse i propri obiettivi.
Mio fratello maggiore, da giovane, si è appassionato al teatro. Mia sorella Amanda è una musicista. Aldemar è un poeta, con particolare attenzione alla poesia zen; inoltre, è un importante gestore culturale.

In cosa consiste il suo progetto artistico “Omaggio ai mestieri del passato che si rifiutano di scomparire”?

Il mio progetto artistico è poetico, semplice e umano, dove i protagonisti sono artigiani: persone che lavorano con le loro mani, mente e cuore per regalarci pezzi d’arte unici.
Dai nostri contadini esprimo la loro resilienza per mantenere viva la biodiversità, prendersi cura dell’ambiente e non lasciare morire saperi ancestrali nella cultura alimentare, nella cura dell’acqua e nelle semplici tecniche di semina, forjando il futuro alimentare in ogni seme e in ogni albero che piantano.
In generale, rende omaggio ai mestieri tradizionali del passato che oggi persistono con difficoltà, resistendo all’automazione della vita moderna. Mestieri che hanno fatto la storia, l’identità e lo spirito di lotta, formando parte della nostra memoria collettiva; sono i fili che hanno teso la struttura sociale dei nostri popoli.
Ricordiamoci del ceramista: le sue mani di seta modellavano non solo oggetti, ma anche la terra stessa.
Il mastro, con la sua amorevole forza, ha domato la pietra e oggi è testimone dell’architettura antica.
E così tanti altri mestieri: il calzolaio, il falegname, la sarta… fedele esempio di ingegno, pazienza e forza.
Nelle sue opere il verde appare spesso. A cosa si deve questa scelta cromatica?
Amo il colore in tutta la sua espressione; è lui che organizza le mie idee. Il colore verde, in particolare, per essere il più vibrante e simbolo di pura vita nella natura, trasmette equilibrio, freschezza, calma e serenità. Lo concepisco anche come un atto di resistenza, con l’illusione e la nostalgia di avere nuovi frutti della terra.
Sento una connessione spirituale molto forte con la natura; osservarla in silenzio mi permette di sentire la presenza di Dio in tanta bellezza e la pace profonda che mi trasmette: vedere un’alba, il sole sorgere dall’oriente, l’tramonto di un tramonto, un piccolo fiore sbocciare nel mio giardino, il canto degli uccelli.
Così, i paesaggi nella mia opera diventano melodia e preghiera, una lode a Dio nostro Padre, come atto di amore e gratitudine per la bellezza della creazione, che è il dono migliore per i nostri sensi.
In questi paesaggi rappresento anche la mia progenie con cinque uccellini.

Quali sono le principali tematiche affrontate nella sua opera?

La mia opera esprime ricordi ed esperienze che hanno toccato la mia sensibilità fin da bambina; cerco di affrontare sentimenti di gratitudine e ammirazione verso i contadini e verso tutti coloro che svolgono un mestiere con le loro mani.
Affronto anche temi ecologici, facendo un appello urgente alla cura dell’ambiente e sfruttando l’estetica dell’arte come strumento per sensibilizzarci sugli effetti del riscaldamento globale, che altera l’equilibrio della nostra madre terra: casa, rifugio umano e rifugio di ecosistemi e specie fondamentali per lo sviluppo della vita. L’acqua è una risorsa vitale dell’esistenza.
Non sono stata estranea alla disumanizzazione della guerra, agli spostamenti forzati e alle sofferenze delle madri e dei bambini vittime del conflitto armato in Colombia e nel mondo; lascio un registro per la memoria come un grido di solidarietà, resistenza e denuncia, mettendo in discussione il silenzio sociale e l’assurdità della guerra.

In quanto artista empirica, hai incontrato il rifiuto di altri artisti?

Personalmente non ho sentito alcun rifiuto. Ma è bello ricordare il rifiuto che le donne hanno subito nel corso della storia e le lotte silenziose di donne coraggiose che sono scese in strada per chiedere giustizia, quando non potevano nemmeno andare all’università, figuriamoci partecipare alla politica. ricoprire cariche pubbliche o esprimersi senza paura come artisti.
Qui in Colombia, dopo molte lotte, la donna ha esercitato il suo diritto di voto nel 1957. Per secoli molte donne artiste sono state invisibilizzate nella storia dell’arte da irreverenti e audaci; molti anni – anche secoli dopo – possiamo parlare di loro per riscrivere la storia.
Non lontano da noi c’è la colombiana Débora Arango (1907-2005), pioniera dell’espressionismo, riconosciuta per ritrarre l’emarginazione sociale della sua epoca; dipinse nudi, prostitute ed eventi della violenza colombiana che le toccò vivere. Ecco perché la sua opera ha così tanto peso: ha mostrato in modo crudo e sfacciato questa realtà politica. Incomodó tanto che molte volte ritirò le sue opere dalle esposizioni in Colombia e a Madrid. Il suo riconoscimento è arrivato tardivamente; oggi si consolida come la pittrice più importante della storia dell’arte colombiana, simbolo di ribellione e talento critico.

Quali artisti ha influenzato il suo lavoro?

Ricardo Gómez Campuzano (1891-1981), bogotano, riconosciuto come il cantore del paesaggio colombiano. Si è educato in Spagna ed è stato influenzato da Sorolla e Dalí, sviluppando la sua opera tra l’avanguardia impressionista e il paesaggio tradizionale.
Jean-François Millet (1814-1875), pittore realista del XIX secolo, figlio di contadini; la sua pittura realistica con tocchi socialisti, che ritraeva l’innocenza dell’uomo contadino, ispirò grandi artisti. Ammiro molto anche Vincent van Gogh e Claude Monet.

Che significato ha per lei esporre la sua opera in spazi pubblici e in diverse città?

Per molti anni ho dipinto per divertimento e non mi preoccupava l’idea di esporre, ma i miei amici mi incoraggiavano costantemente. Da un momento all’altro sono emersi molti inviti, nazionali e internazionali, e in modo virtuale ho ricevuto preziosi riconoscimenti che mi hanno permesso di misurare come reagiscono diverse culture e critici d’arte in ogni spazio.
Nelle mie esposizioni in presenza mi piace vedere quel dialogo silenzioso tra l’opera appesa al muro e lo sguardo del pubblico, i suoi gesti di stupore e riflessione. Mi emoziona sentirlo come un premio al mio lavoro; è questo che rinvigorisce l’artista per continuare con l’entusiasmo e la passione che lo caratterizzano.

Quale messaggio desidera condividere con i giovani che stanno iniziando il loro percorso nelle arti figurative?

Direi loro che l’arte è una sorta di catarsi e di espressione personale: dipingere ciò che li emoziona, ciò che li rende felici o ciò che li addolora. Che dipingano con libertà e, soprattutto, con onestà. Che la passione e l’amore sono il nostro motore più importante, accompagnati dall’osservazione costante e dalla perdita della paura di sbagliare.
Vi direi anche che la bellezza dei nostri paesaggi e della natura è il maestro più completo che abbiamo ed è a nostra disposizione in modo permanente. Osservandola impariamo la composizione, l’armonia del colore, le texture, la luce e l’ombra. E in questo modo rendiamo grazie a Dio per il dono della creazione.

L’intervistatore è uno scrittore nicaraguense residente in Costa Rica.
Contatto: carlosjavierjarquin2690@yahoo.es














María Elcy Ramírez y el encanto colorido de su obra
Por Carlos Javier Jarquín

Queridos amigos planetarios:
Hoy tengo el privilegio de presentarles a una excelente artista, una mujer a quien admiro profundamente, no solo por su trayectoria, sino por la humanidad que habita en ella. Me refiero a la artista plástica María Elcy Ramírez Cuartas, nacida el 24 de julio de 1954 en el municipio de Sevilla, Valle del Cauca, Colombia.
Ella recuerda sus orígenes y el ambiente en que creció: “Mis padres fueron Miguel Antonio Ramírez Guarín, labriego de sueños montañeros y caficultor de profesión, y mi madre, Estefanía Cuartas Gallego, modista de oficio; mientras trabajaba cantaba y escribía versos. Fue allí donde nació mi inspiración: en un ambiente cálido, tranquilo y amoroso donde manos dignas y juiciosas me enseñaron el valor del trabajo honesto. Sevilla, mi solar nativo, me permitió vivir la adolescencia entre lo barrial y lo veredal, en San Antonio”.
Crecer y vivir en lo rural siempre será un ambiente inspirador, y aún más para quienes se dedican al arte. Nuestra entrevistada añade: “Crecer entre paisajes cafeteros, atardeceres y amaneceres que solo Sevilla posee; disfrutar de las costumbres y la cotidianidad de mi gente campesina forjó mi alma y mi proyecto artístico. Mi obra le canta a la naturaleza para agradecer a Dios el regalo de la creación, y a mi descendencia, que represento en cinco pajaritos danzantes en medio de los paisajes. Esta conexión tan profunda y espiritual con el paisaje se vuelve melodía, alabanza, oración: un acto de amor y gratitud que es el mejor regalo para los sentidos. Lo tomo como fondo de la escena principal de mis obras, enfocadas en rendir homenaje a los oficios del pasado que se niegan a desaparecer. Oficios que hicieron historia, civilización e idiosincrasia; maneras de ser y de pensar con una carga de arte y tradición que constituían las raíces más profundas de los pueblos y su identidad”.
El estilo artístico de Elcy es costumbrista y figurativo, y aborda temáticas diversas, destacando asuntos sociales y la madre naturaleza. Desde estas líneas aprovecho para extenderle mis sinceras felicitaciones a la señora María Elcy, por su valioso trabajo los invito a conocer más de esta artista sudamericana, cuya obra artística es, sin duda, brillante, es un verdadero honor poder compartirles con ustedes amigos lectores esta entrevista. En esta amena charla hablamos de sus influencias y de los temas que aborda, además al final comparte una reflexión y un mensaje dirigido a los jóvenes que aspiran a ser artistas plásticos.

Entrevista:
¿Qué recuerdos constantes guarda de su tierra natal Sevilla en el Departamento del Valle del Cauca?

Es imposible olvidar aquellos lugares donde amamos tanto la vida. Allí estaba la familia unida: mi padre, Miguel Antonio, campesino, labriego de sueños, que cuidaba la tierrita para darnos el sustento.
A mi madre la recuerdo amorosa y responsable, apoyando a mi padre y cuidando la casa mientras ejercía su oficio de modista. En ese ambiente familiar, sencillo y tranquilo, se respiraba la frescura del clima sevillano: la niebla acariciando las montañas cafeteras, el verdor de los cultivos florecidos, la música y los nobles campesinos en sus labores.

¿Cuántos años tenía cuando descubrió su vocación por las artes plásticas?

No sé cómo ni cuándo comenzó mi vocación por pintar… sólo puedo decir que siempre me acompañó una sensibilidad profunda por la belleza del color, su armonía en la naturaleza y el goce que me producía palpar tan de cerca, en la finca de mi padre, el canto de los pájaros, el olor de la guayaba madura, el aroma del café recién tostado y mi gente campesina cuidando con tanto amor la tierra. Esos sentimientos tan puros se convirtieron en un deseo interior, una chispa de emociones que de alguna manera tenía que expresar; desde muy joven empecé a pintar.

¿De qué manera influyó en su obra haber crecido entre paisajes coloridos y naturales como los de su pueblo?

Con orgullo puedo decir que Sevilla fue declarada por la UNESCO “Paisaje Cultural Cafetero Patrimonio de la Humanidad” en junio de 2011. Sevilla también es la “Capital Cafetera de Colombia”.
Siento que esa relación con la tierra, su generosa biodiversidad, el aire puro, la temperatura promedio de 20 grados centígrados, la vida sencilla, la dignidad y sabiduría de mis campesinos y tanta belleza natural hicieron que el paisaje fuera recurrente en mi obra y luz soñadora para mis sentidos. Regresar a la sencillez de la naturaleza y a su armonía es lo que más me inspira.

Su madre era apasionada por la música y la poesía. ¿Qué opinaba ella de sus primeros trabajos artísticos?

Se emocionaba muchísimo. Ella también fue modista, un ser humano lleno de nobleza y ternura, con una sensibilidad tan genuina que, sin darse cuenta, fue la inspiración de sus hijos. Su amor incondicional, su paciencia y sabiduría fortalecieron nuestras ilusiones, y así fue como cada uno de sus cuatro hijos fue logrando sus metas.
Mi hermano mayor, de joven, incursionó en el teatro. Mi hermana Amanda es melómana. Aldemar es poeta, con énfasis en poesía zen; además, es un destacado gestor cultural.

¿En qué consiste su proyecto artístico “Homenaje a los oficios del pasado que se niegan a desaparecer”?

Mi proyecto artístico es poético, sencillo y humano, donde los protagonistas son artesanos: personas que trabajan con sus manos, mente y corazón para regalarnos piezas de arte únicas.
De nuestros campesinos exalto su resiliencia para mantener viva la biodiversidad, cuidar el medio ambiente y no dejar morir saberes ancestrales en la cultura alimentaria, el cuidado del agua y técnicas sencillas de siembra, forjando el futuro alimentario en cada semilla y en cada árbol que plantan.
En general, hace un homenaje a oficios tradicionales del pasado que hoy persisten con dificultad, resistiendo la automatización de la vida moderna. Oficios que hicieron historia, identidad y espíritu de lucha, formando parte de nuestra memoria colectiva; son los hilos que tejieron la estructura social de nuestros pueblos.
Recordemos al alfarero: sus manos de seda no sólo moldeaban objetos, sino también la tierra misma.
El cantero, con su amorosa fuerza, domó la piedra y es hoy testimonio de la arquitectura antigua.
Y así tantos otros oficios: el zapatero, el carpintero, la modista… fiel ejemplo de ingenio, paciencia y fortaleza.

En sus obras el color verde aparece con frecuencia. ¿A qué se debe esta elección cromática?

Amo el color en toda su expresión; en realidad es quien organiza mis ideas. El color verde, en especial, por ser el más vibrante y símbolo de vida pura en la naturaleza, transmite equilibrio, frescura, calma y serenidad. También lo concibo como un acto de resistencia, con la ilusión y añoranza de tener nuevos frutos de la tierra.
Siento una conexión espiritual muy fuerte con la naturaleza; observarla en silencio me permite sentir la presencia de Dios en tanta belleza y la paz profunda que me transmite: ver un amanecer, el sol saliendo por el oriente, el ocaso de un atardecer, una florecita brotando en mi jardín, el canto de los pájaros.
Así, los paisajes en mi obra se vuelven melodía y oración, una alabanza a Dios, nuestro Padre, como acto de amor y gratitud por la belleza de la creación, que es el mejor regalo para nuestros sentidos.
En estos paisajes también represento a mi descendencia con cinco pajaritos.

¿Cuáles son las principales temáticas que aborda en su obra?

Mi obra expresa recuerdos y vivencias que tocaron mi sensibilidad desde muy niña; trato de abordar sentimientos de gratitud y admiración hacia los campesinos y hacia todos los que realizan un oficio con sus manos.
También abordo temas ecológicos, haciendo un llamado urgente al cuidado del medio ambiente y aprovechando la estética del arte como herramienta para sensibilizarnos sobre los efectos del calentamiento global, que altera el equilibrio de nuestra madre tierra: hogar, refugio humano y albergue de ecosistemas y especies fundamentales para el desarrollo de la vida. El agua es un recurso vital de la existencia.
Tampoco he sido ajena a la deshumanización de la guerra, los desplazamientos forzados y el sufrimiento de madres y niños víctimas del conflicto armado en Colombia y en el mundo; dejo un registro para la memoria como un grito de solidaridad, resistencia y denuncia, cuestionando el silencio social y lo absurdo de la guerra.

¿Como artista empírica ha enfrentado rechazo por parte de otros artistas?

Personalmente no he sentido rechazo alguno. Pero sí es bueno recordar el rechazo que sufrió la mujer a lo largo de la historia y las luchas silenciosas de mujeres valientes que salieron a las calles a reclamar justicia, cuando ni siquiera podían ir a la universidad, mucho menos participar en política, ejercer cargos públicos o expresarse sin miedo como artistas.
Aquí en Colombia, después de muchas luchas, la mujer ejerció su derecho al voto en 1957. Durante siglos muchas mujeres artistas fueron invisibilizadas en la historia del arte por irreverentes y audaces; muchos años —incluso siglos— después podemos hablar de ellas para reescribir la historia.
No muy lejos tenemos a la colombiana Débora Arango (1907–2005), pionera del expresionismo, reconocida por retratar la marginación social de su época; pintó desnudos, prostitutas y acontecimientos de la violencia colombiana que le tocó vivir. Por eso su obra tiene tanto peso: mostró de manera cruda y descarnada esa realidad política. Incomodó tanto que muchas veces retiraron sus obras de exposiciones en Colombia y en Madrid. Su reconocimiento llegó tardío; hoy se consolida como la pintora más importante de la historia del arte colombiano, símbolo de rebeldía y talento crítico.

¿Qué artistas considera que han influido en su trabajo?

Ricardo Gómez Campuzano (1891–1981), bogotano, reconocido como el cantor del paisaje colombiano. Se educó en España y fue influenciado por Sorolla y Dalí, desarrollando su obra entre la vanguardia impresionista y el paisajismo tradicional.
Jean-François Millet (1814–1875), pintor realista del siglo XIX, hijo de campesinos; su pintura realista con toques socialistas, que retrataba la inocencia del hombre campesino, inspiró a grandes artistas. También admiro mucho a Vincent van Gogh y Claude Monet.

¿Qué significado tiene para usted exponer su obra en espacios públicos y en distintas ciudades?

Durante muchos años pinté por disfrute y no me inquietaba la idea de exponer, pero mis amigos me animaban constantemente. De un momento a otro surgieron muchas invitaciones, nacionales e internacionales, y de manera virtual he recibido valiosos reconocimientos que me han permitido medir cómo reaccionan distintas culturas y críticos de arte en cada espacio.
En mis exposiciones presenciales me encanta ver ese diálogo silencioso entre la obra colgada en la pared y la mirada del público, sus gestos de asombro y reflexión. Me emociona sentirlo como un premio a mi trabajo; eso es lo que retroalimenta al artista para seguir con el entusiasmo y la pasión que lo caracterizan.

¿Qué mensaje desea compartir con los jóvenes que están comenzando su camino en las artes plásticas?

Les diría que el arte es una especie de catarsis y expresión personal: que pinten lo que les emociona, lo que les haga felices o lo que les duela. Que pinten con libertad y, sobre todo, con honestidad. Que la pasión y el amor son nuestro motor más importante, acompañados de la observación constante y la pérdida del miedo a equivocarnos.
También les diría que la belleza de nuestros paisajes y la naturaleza es la maestra más completa que tenemos y está a nuestro alcance permanentemente. Observándola aprendemos sobre composición, armonía del color, texturas, luz y sombra. Y de paso le damos gracias a Dios por el regalo de la creación.

El entrevistador es escritor nicaragüense radicado en Costa Rica.
Contacto: carlosjavierjarquin2690@yahoo.es

Titolo: Sfollamento forzato e sopravvivenza. Tecnica: Olio su tela. Dimensioni: 130 x 70 cm. Autore: María Elcy Ramirez Cuartas. Per gentile concessione.