Il giornalista Jahongir Mirzo ha intervistato Varis Yolchuyev – illustre scrittore e giornalista azero, direttore del Fondo letterario dell’Azerbaigian, redattore capo del portale “Letteratura e arte” e segretario dell’Organizzazione mondiale degli scrittori (WOW).

Foto cortesia di Varis Yolchuyev – illustre scrittore e giornalista azero, direttore del Fondo letterario dell’Azerbaigian, redattore capo del portale “Letteratura e arte” e segretario dell’Organizzazione mondiale degli scrittori (WOW).

OGGI LA MAGIA DELLA PAROLA È PIÙ RILEVANTE


L’ospite di oggi è Varis Yolchuyev – illustre scrittore e giornalista azero, direttore del Fondo letterario dell’Azerbaigian, redattore capo del portale “Letteratura e arte” e segretario dell’Organizzazione mondiale degli scrittori (WOW). Detiene il titolo di Giornalista Onorato dell’Azerbaigian e ha ricevuto numerose distinzioni internazionali. Tra i suoi riconoscimenti più importanti ci sono il Diploma Atanas Venshev dell’Ucraina (2024), la Medaglia Adam Mickiewicz dell’UNESCO (2019) e il titolo di Vincitore d’Oro del 3° Festival dei Festival LiFFT tenutosi sotto gli auspici delle Nazioni Unite (2018). È stato anche nominato “Persona letteraria dell’anno” da istituzioni culturali in Azerbaigian, Gran Bretagna e Russia. Con una carriera che unisce tradizioni nazionali e correnti letterarie globali, Yolchuyev si è affermato come una delle voci più importanti e influenti della letteratura azera contemporanea e mondiale.

— In quale momento della tua memoria è nata la penna tra le tue mani?
          Durante l’infanzia, furono la preghiera di tua madre, i racconti popolari che ascoltavi o il sussurro di un’ombra silenziosa a chiamarti per la prima volta a diventare uno scrittore?

—Mio padre, Musa Yolchu, era un noto studioso di letteratura del suo tempo. Nella casa in cui sono nato c’era una vasta biblioteca e gli scrittori e poeti più importanti dell’epoca erano ospiti frequenti. Infinite conversazioni sulla letteratura riempivano la nostra casa. Essendo cresciuto tra tremila libri, è stato naturale che l’amore per la letteratura prendesse gradualmente piede in me.
E lasciatemi aggiungere questo: in Azerbaigian c’è un detto che dice: “Alla radice cresce l’erba” La mia patria ancestrale si trova nella regione occidentale dell’Azerbaigian, nel distretto di Qazakh —in particolare, nel villaggio di Yukhari Salahlı. È un piccolo villaggio, ma da questo piccolo luogo sono emerse tre grandi luci della poesia azera:
il poeta classico Molla Panah Vagif, il poeta dell’era sovietica Samad Vurghun e la voce moderna Vagif Samadoglu. Forse è stato questo terreno ancestrale —Yukhari Salahlı— a chiamarmi davvero a diventare uno scrittore.

—Non sei solo uno scrittore ma anche un organizzatore, un leader e una guida nel processo letterario. Come conciliare la guida del Fondo letterario preservando allo stesso tempo lo spirito di uno scrittore?

—Ad essere onesti, la scrittura e la burocrazia sono mondi a parte. Ogni documento, ogni direttiva, ogni evento preparato è, in un certo senso, un racconto, un romanzo o una poesia che non ha mai avuto la possibilità di essere scritta. Ciò che però mi consola è che anche questo è un servizio alla letteratura. Se aiutiamo un giovane scrittore a pubblicare il suo primo libro, se presentiamo un autore di talento sulla scena mondiale, allora questo è il nostro modo di servire la grande causa della letteratura.

—Il tuo lavoro creativo è andato oltre la cerchia letteraria dell’Azerbaigian e ha trovato riconoscimento a livello internazionale. Per te, come si incontrano in equilibrio poetico i concetti di “spirito nazionale” e “missione globale”?

—Il mondo sta cambiando; le nuove tecnologie dell’informazione e della comunicazione stanno rimodellando l’umanità e il fenomeno dell’intelligenza artificiale sta ribaltando tutte le regole stabilite. Nel terzo millennio si sta formando un “essere umano digitale” i cui tratti nazionali e culturali potrebbero passare in secondo piano. Nei miei romanzi, quindi, ho fissato obiettivi e missioni non nazionali ma globali, riflettendo le tendenze della nostra epoca. Eppure coloro che svolgono queste missioni sono sempre persone radicate nello spirito nazionale.
Credo che l’idea di sopprimere le culture nazionali per creare un’unica cultura mondiale sia fondamentalmente errata. Se la cultura è un albero, allora ogni cultura nazionale è un ramo o un ramo di quel grande albero.

— Ogni grande scrittore è spiritualmente figlio di certi predecessori. Chi sono gli autori che hanno dato vita alla tua anima creativa?

—Il mio vero mentore in letteratura è stato l’illustre scrittore azero Ismayil Shikhli, il cui romanzo Dəli Kür gli è valso un posto nelle pagine d’oro della letteratura sovietica. I miei due autori preferiti, tuttavia, sono Haruki Murakami e Orhan Pamuk.
Ma vorrei sottolineare un’altra cosa: mi sono avvicinato alla letteratura in modo diverso,costruendo una sintesi tra prosa artistica, giornalismo e scrittura pubblicistica. Credevo che per catturare il lettore del XXI secolo —qualcuno incollato a Internet— dovessimo offrire narrativa ricca di informazioni e fatti, ma allo stesso tempo stimolante ed emotivamente toccante. Più tardi, nel 2016, quando ho frequentato il corso “Le regole d’oro per scrivere un bestseller” a New York, mi sono reso conto che ciò che avevo immaginato era, in effetti, l’essenza stessa di come creare un vero bestseller per il nuovo millennio.

— Guidare le organizzazioni letterarie non è solo una posizione, ma anche un peso morale. Come si trasporta questo peso?

— Trasportare un peso del genere non è mai facile. Qualunque sia l’iniziativa che prendi, inevitabilmente non tutti possono essere inclusi. Non importa quanto oggettive siano le tue scelte, coloro che non vengono selezionati, coloro che non vincono, ti rivolgeranno le loro critiche. E quando la mentalità soggettiva di uno scrittore diventa: “Sono superiore a tutti,” “Merito tutto,”—è allora che inizia la tragedia per la letteratura stessa.
Eppure è in un ambiente così difficile che continuiamo a costruire e creare.


— Negli ultimi tempi, alcuni scrittori, soprattutto sui social media, tendono a confondere le critiche con gli atteggiamenti personali. Secondo lei, quando la letteratura smetterà di essere una questione di gusti e si trasformerà in un’arma di conflitto?

—  I social media hanno molte qualità positive, ma il loro più grande svantaggio è che hanno consegnato a tutti un’arma d’attacco. Con quest’arma, gli ignoranti possono tenere conferenze sulla conoscenza, gli immorali possono parlare di moralità e il codardo può mostrare falso coraggio. Di conseguenza, si perdono equilibrio ed equità.
Emerge una classe di pseudocritici: dichiarano “grande scrittore” anche lo scribacchino più debole della loro cerchia, abbattendo allo stesso tempo l’autore più popolare e letto.
La letteratura è davvero una questione di gusti, ma non dovrebbe servire solo ai raffinati. Di tanto in tanto, deve raggiungere anche coloro che hanno un gusto non raffinato, plasmando ed elevando la loro sensibilità.

— Hai ricevuto premi da molti Paesi e organizzazioni. Tuttavia, per mantenere la stessa reputazione in aree geografiche così diverse è necessario non solo talento, ma anche un grande “linguaggio dell’umanità” Come hai imparato a parlare questa lingua universale?

— Ho letto molto. Ma credo che leggere solo opere di narrativa provenienti da paesi diversi non sia sufficiente. Bisogna anche essere esperti nel guidare la critica letteraria straniera e tenere traccia dei processi della letteratura mondiale. Questo, secondo me, è il vero linguaggio della letteratura.
Quando padroneggi questo, puoi riconoscere non solo quali generi sono richiesti ma anche quali temi risuonano. E, altrettanto importante, è il messaggio che trasmetti. Attualmente, una tendenza pericolosa domina la letteratura e l’arte mondiale: la glorificazione del trionfo del Male sul Bene. Si tratta di un duro colpo per l’umanità, anche se perseguito da artisti che cercano semplicemente di far sembrare entusiasmante il loro lavoro. In tutte le mie opere prevale il Bene. I miei scritti invitano le persone non alla disperazione, ma alla speranza; non all’incredulità, ma alla fede.

— Molti scrittori portano con sé una dualità nascosta: scrivere o cambiare. Cosa desidera cambiare la tua penna – l’individuo, la società o te stesso?


— Mi sforzo davvero di scrivere opere al servizio dell’umanità. Ed è incoraggiante che non solo gli azeri ma anche gli stranieri ne siano toccati e trasformati.
Ad esempio, dopo aver letto il mio romanzo A Handful of Soil sulla guerra del Karabakh, un giovane di nome Mubariz Ibrahimov dichiarò il suo desiderio di assomigliare al suo eroe, e in seguito mostrò un tale coraggio al fronte che divenne un eroe nazionale dell’Azerbaigian.
Decine di giovani turchi, dopo aver letto Il settantasettesimo giorno, si sono ispirati al suo eroe e sono andati a salutare l’alba nella baia per 77 giorni consecutivi.
Una ragazza uzbeka di Samarcanda, spinta alla disperazione dalla crudeltà del patrigno, una volta salì sul tetto con l’intenzione di impiccarsi. A terra notò frammenti del giornale Darakchi, dove veniva serializzato il mio romanzo Hope Is the Last to Die. Lo lesse, rimandò il suicidio, cercò le prime parti in biblioteca e attese con ansia i numeri successivi. Mentre leggeva, si identificava con l’eroina Naile, che non si piegò mai all’ingiustizia ma lottò contro di essa. Abbandonando i suoi pensieri suicidi, si costruì una carriera di successo – la sua vera vendetta contro il patrigno.
Ci sono molti esempi di questo tipo.

— Sia nella tua vita che nel tuo percorso letterario, c’è un libro o una persona che ti ha influenzato più profondamente, di cui senti ancora oggi la presenza?

— La persona che mi ha maggiormente influenzato è mio padre. Da lui ho potuto constatare lealtà e devozione verso l’arte da lui scelta. Mio padre respirava letteratura e non la tradiva mai.
Ci sono stati momenti nella mia vita in cui sono stato tentato di abbandonare la letteratura – di entrare nel mondo delle grandi imprese, di lasciare la patria e di costruirmi una vita agiata all’estero. Ma in quei momenti mio padre mi stava davanti agli occhi e il suo esempio mi riportava sempre indietro.

— È risaputo che scrivere richiede sia ispirazione che impegno. Cosa fai quando l’ispirazione ti abbandona?

— Onestamente, se editori di diversi paesi pubblicano i tuoi libri, se decine di migliaia di lettori attendono il tuo prossimo romanzo e, per di più, il tuo stesso stato ti incarica di scrivere su un tema storico che ritiene prioritario – allora l’ispirazione semplicemente non può abbandonarti. Scrivere è una missione e, su migliaia, solo una persona è incaricata di portarla avanti.
E se quella missione è tua, allora devi sopportarla.

— C’è mai stato qualcosa di cui non volevi scrivere, eppure sei stato costretto a farlo?

—Ci sono infatti alcuni argomenti su cui si desidera tacere—argomenti considerati vergognosi, banali o indegni della letteratura. Insomma, questioni che non si considerano come tema proprio. Eppure, col tempo, le conseguenze di questi problemi diventano così evidenti che ti senti obbligato a scriverne. A volte la domanda sociale è molto più forte della volontà personale.




— Secondo te, cosa è più potente—la magia delle parole o la filosofia del silenzio?

— Credo che la filosofia del silenzio fosse un’arma più adatta ai tempi passati, quando le persone parlavano meno e aderivano all’etichetta di ascoltare gli altri. Oggi, però, il silenzio ha perso gran parte della sua rilevanza. Nella nostra epoca, la magia delle parole ha un peso molto maggiore. Al giorno d’oggi tutti parlano—, capaci o incapaci che siano. Nel mercato delle parole, la cacofonia di grida, slogan e rumore amplificato ha raggiunto il suo apice. In mezzo a questo caos, le tue parole devono essere profonde, significative, mistiche, incantevoli —in una parola, irresistibili— per catturare l’attenzione.
      Che ci piaccia o no, l’umanità è entrata in un’era di comunicazione completamente nuova.
In quest’epoca bisogna imparare a parlare a ogni individuo nella propria lingua.


Jakhongir NOMOZOV è un giovane poeta e giornalista uzbeko. 
È anche membro dell’Unione dei giornalisti dell’Azerbaigian e dell’Unione mondiale dei giovani scrittori turchi.


















TODAY, THE MAGIC OF THE WORD IS MORE RELEVANT


Today’s guest is Varis Yolchuyev – a distinguished Azerbaijani writer and journalist, Director of the Azerbaijan Literature Fund, Editor-in-Chief of the “Literature and Art” portal, and Secretary of the World Organization of Writers (WOW). He holds the title of Honored Journalist of Azerbaijan and is the recipient of numerous international distinctions. Among his most notable honors are the Atanas Venshev Diploma of Ukraine (2024), the UNESCO Adam Mickiewicz Medal (2019), and the Golden Laureate title of the 3rd LiFFT Festival of Festivals held under the auspices of the United Nations (2018). He has also been named “Literary Person of the Year” by cultural institutions in Azerbaijan, Great Britain, and Russia. With a career that bridges national traditions and global literary currents, Yolchuyev has established himself as one of the most prominent and influential voices in contemporary Azerbaijani and world literature.

— At what point in your memories was the pen born in your hands?
          In childhood, was it your mother’s prayer, the folk tales you heard, or the whisper of a silent shadow that first called you to become a writer?

—My father, Musa Yolchu, was a well-known literary scholar of his time. In the house where I was born, there was a vast library, and the most prominent writers and poets of the era were frequent guests. Endless conversations about literature filled our home. Growing up among three thousand books, it was only natural that a love of literature gradually took root in me.
And let me add this: there is a saying in Azerbaijan, “Grass grows at the root.” My ancestral homeland is in the western region of Azerbaijan, in the Qazakh district—specifically, the village of Yukhari Salahlı. It is a small village, but from this small place emerged three great lights of Azerbaijani poetry: the classic poet Molla Panah Vagif, the Soviet-era poet Samad Vurghun, and the modern voice Vagif Samadoglu. Perhaps it was this ancestral soil—Yukhari Salahlı—that truly called me to become a writer.

—You are not only a writer but also an organizer, a leader, and a guide in the literary process. How do you reconcile leading the Literary Fund while also preserving the spirit of a writer?

—To be honest, writing and bureaucracy are worlds apart. Every document, every directive, every event prepared is, in a sense, a story, a novel, or a poem that never had the chance to be written. Still, what consoles me is that this too is a service to literature. If we help a young writer publish their first book, if we present a talented author to the global stage, then that is our way of serving the great cause of literature.

—Your creative work has gone beyond Azerbaijan’s literary circle and found recognition internationally. For you, how do the concepts of “national spirit” and “global mission” meet in poetic balance?

—The world is changing; new information and communication technologies are reshaping humanity, and the phenomenon of artificial intelligence is overturning all established rules. In the third millennium, a “digital human” is being formed whose national and cultural traits may fade into the background. In my novels, therefore, I set not national but global goals and missions, reflecting the trends of our era.Yet those who carry out these missions are always people rooted in national spirit.
I believe that the idea of suppressing national cultures to create a single world culture is fundamentally flawed. If culture is a tree, then every national culture is a branch or bough of that great tree.

— Every great writer is spiritually the child of certain predecessors. Who are the authors that gave birth to your creative soul?

—My true mentor in literature was the distinguished Azerbaijani writer Ismayil Shikhli, whose novel Dəli Kür earned him a place in the golden pages of Soviet literature. My two favorite authors, however, are Haruki Murakami and Orhan Pamuk.
But let me note something else: I came to literature in a different mode, building a synthesis between artistic prose, journalism,and publicistic writing. I believed that to capture the reader of the 21st century—someone glued to the internet—we must offer fiction rich in information and fact, but at the same time thought-provoking and emotionally stirring. Later, in 2016, when I attended the course “The Golden Rules of Writing a Bestseller” in New York, I realized that what I had been imagining was, in fact, the very essence of how to create a true bestseller for the new millennium.

— Leading literary organizations is not just a position, but also a moral burden. How do you carry this weight?

— To carry such a weight is never easy. Whatever initiative you take, inevitably not everyone can be included. No matter how objective your choices are, those who are not selected, those who do not win, will aim their criticism at you. And when a writer’s subjective mindset becomes: “I am superior to everyone,” “I deserve everything,”—that is when tragedy begins for literature itself.
And yet, it is within such a challenging environment that we continue to build and create.


— In recent times, some writers, especially on social media, tend to confuse criticism with personal attitudes. In your view, when does literature stop being a matter of taste and turn into a weapon of conflict?

— Social media has many positive qualities, but its greatest drawback is that it has handed everyone a weapon of attack. With this weapon, the ignorant can lecture about knowledge, the immoral can speak of morality, and the coward can display false courage. As a result, balance and fairness are lost.
A class of pseudo-critics emerges: they declare even the weakest scribbler in their own circle a “great writer,” while at the same time tearing down the most popular and widely read author.
Literature is indeed a matter of taste, but it should not serve only the refined. From time to time, it must also reach out to those with unrefined taste, shaping and elevating their sensibilities.

— You have been honored with awards from many countries and organizations. Yet to hold the same reputation across such diverse geographies requires not only talent but also a great “language of humanity.” How did you learn to speak this universal language?

— I read extensively. But I believe that reading only works of fiction from different countries is not enough. One must also be well-versed in leading foreign literary criticism and keep track of the processes in world literature. That, I think, is the true language of literature.
When you master this, you can recognize not only what genres are required but also what themes resonate. And, equally important, is the message you convey. At present, a dangerous trend dominates global literature and art: the glorification of Evil’s triumph over Good. This is a profound blow to humanity, even when pursued by artists simply trying to make their work seem exciting. In all my works, Good prevails. My writings call people not to despair, but to hope; not to disbelief, but to faith.

— Many writers carry a hidden duality: to write or to change. What does your pen wish to change – the individual, society, or yourself?

— I truly strive to write works that serve humanity. And it is heartening that not only Azerbaijanis but also foreigners are touched and transformed by them.
For example, after reading my novel A Handful of Soil about the Karabakh war, a young man named Mubariz Ibrahimov declared his wish to resemble its hero, and later he displayed such courage at the front that he became a National Hero of Azerbaijan.
Dozens of Turkish youth, after reading The Seventy-Seventh Day, took inspiration from its hero and went to greet the sunrise at the bay for 77 days in a row.
An Uzbek girl in Samarkand, driven to despair by her stepfather’s cruelty, once climbed onto the roof intending to hang herself. On the ground, she noticed fragments of the newspaper Darakchi, where my novel Hope Is the Last to Die was being serialized. She read it, postponed her suicide, sought out the earlier parts in the library, and waited eagerly for the next issues. As she read, she identified with the heroine Naile, who never bowed to injustice but fought against it. Abandoning her suicidal thoughts, she built a successful career – her true revenge against her stepfather.
There are many such examples.

— In both your life and your literary path, is there a book or a person that has most profoundly influenced you, whose presence you still feel today?

— The person who has most influenced me is my father. From him, I witnessed loyalty and devotion to his chosen art. My father breathed literature and never betrayed it.
There were times in my life when I was tempted to abandon literature – to join the world of big business, to leave the homeland and build a comfortable life abroad. But in such moments, my father would stand before my eyes, and his example always brought me back.

— It is well known that writing requires both inspiration and effort. What do you do when inspiration leaves you?

— Honestly, if publishers in several countries are bringing out your books, if tens of thousands of readers are awaiting your next novel, and on top of that, your own state commissions you to write on a historical theme it deems a priority – then inspiration simply cannot abandon you. Writing is a mission, and out of thousands, only one person is entrusted with carrying it.
And if that mission is yours, then you must bear it.

— Has there ever been something you did not want to write about, yet were compelled to do so?

—There are indeed certain topics one wishes to remain silent about—subjects considered shameful, trivial, or unworthy of literature. In short, matters one does not regard as one’s own theme. Yet, over time, the consequences of these issues become so glaringly apparent that you feel obliged to write about them. Sometimes, social demand is far stronger than personal will.




— In your view, which is more powerful—the magic of words or the philosophy of silence?

— I believe the philosophy of silence was a weapon more fitting for earlier times, when people spoke less and adhered to the etiquette of listening to others. Today, however, silence has lost much of its relevance. In our era, the magic of words carries far greater weight. Nowadays, everyone speaks—whether capable or incapable. In the marketplace of words, the cacophony of shouts, slogans, and amplified noise has reached its peak. Amidst such chaos, your words must be profound, meaningful, mystical, enchanting—in a word, irresistible—in order to command attention.
      Whether we like it or not, humanity has stepped into an entirely new era of        communication.
In this era, one must learn to speak to every individual in their own language.


Jakhongir NOMOZOV, is a young poet and journalist from Uzbekistan. 
He is also a Member of the Union of Journalists of Azerbaijan and the World Young Turkic Writers Union.



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Foto cortesia per gentile concessione del giornalista Jahongir Mirzo

Poesia in stile spirituale, sufi: “Caro e Saggio nel Tuo Regno” della poetessa – giornalista Donia Sahib-Iraq

Foto cortesia della poetessa e giornalista Donia Sahib-Iraq


Poesia in stile spirituale, sufi.


Caro e Saggio nel Tuo Regno

La Tua luce si è rivelata attraverso gli orizzonti della mia anima, connessa alla Verità.
E sei Tu, e tutto il resto è un’illusione e un miraggio che svanisce con le pieghe del tempo.

Nel Tuo registro è scritto il mio nome
dall’albero delle penne
Hai riversato su di me la conoscenza che sgorga dalla confluenza dei due mari
La Tua abbondanza del linguaggio del misticismo,
E infiniti discorsi sacri.

I tuoi bellissimi nomi sono il mio pulpito,
e parlo di Te all’amico della mia anima che mi comprende.
Eppure lui rimane in silenzio e si accontenta del linguaggio dei segni, sulle cinque corde,
Perché sa di non potermi eguagliare nel parlare

Lo amo e cerco l’unione attraverso di lui
perché è una Patria per la mia anima esiliata,
tra la folla degli spiriti
in cui non vedo altro che oscurità.

Mio Dio, mi hai guidato con la tua rivelazione e ispirazione, e hai adempiuto alla Tua promessa
Così la mia visione di coloro che mi circondano è cambiata
e ora sono una nuova persona,
ho un titolo
e attendo da Te la risposta
alla più grande domanda che mi tormenta la mente:
Quando comincerò a muovermi verso il mondo della decorazione,
Per essere uno tra i quattro re incoronati?

Tra Te e me c’è un forte legame,
ininterrotto,
che si estende dall’eternità.
Mi hai creato un essere umano celeste,
non vedo alcuna importanza nell’esistenza
perché la bussola del mio cuore è rivolta verso di Te.

La connessione di un fedele servitore con il Signore Generoso.

Ti invoco, e la mia anima vola verso di Te
come le ali di una colomba

Viaggio con la consapevolezza dei profeti
verso la vastità del Tuo magnifico regno,
preparandomi a parlare la lingua del popolo dei cieli.
Ho preparato le mie provviste per il giorno promesso,
io sono il testimone, e tu sei il testimone

Lettura poetica in italiano di Elisa Mascia del testo della poetessa Donia Sahib – Iraq



عزيزٌ حكيمٌ في ملكك
تجلّى نورك في آفاق روحي الموصولة بالحقيقة
وهو أنت، وما عداك وهمٌ وسراب يختفي مع طيّات الأيام

في سجلك مكتوب اسمي
من شجرة الأقلام
سكبتَ عليَّ العلمَ المنهمر من مجمع البحرين
فيضك من لغة العرفان
وأحاديث قدسية لا تنتهي

أسماؤك الحسنى منبري
وأنا أحدّث عنك خليلَ الروح الذي يفهمني،
لكنه يصمت ويكتفي بلغة الإشارة،  بالاوتار الخمسة
إذ يعلم أنه لا يستطيع أن يُجاريني في الكلام

أحبّه وأبتغي منه الوصال
فهو وطنٌ لروحي المغتربة
وسط زخم الأرواح
التي لا أرى فيها سوى الظلام

إلهي، قد أرشدتني بوحيك وإلهامك، ووفّيت بوعدك
فتغيّرت نظرتي عمّن حولي
وها أنا الآن إنسانة جديدة
صار لي عنوان،
وأنا أنتظر منك الجواب
على أعظم سؤال يجول بخاطري:
متى أبدأ بالانتقال إلى عالم الزخرف،
لأكون من الملوك الأربعة أصحاب التيجان؟

بينـي وبينك صِلة قوية
لا تنقطع
ممتدة منذ الأزل
جعلتني بهيئة إنسانة سماوية
لا أرى للوجود أي أهمية
لأن بوصلة قلبي موجّهة إليك

صِلة العبد المخلص بالرب الكريم

أناجيك، ومهجتي ترفرف إليك
كأجنحة الحمام

أسافر بوعي الأنبياء
إلى رحاب ملكك العظيم
وأتهيأ للنطق بلغة أهل السماء
جهّزتُ عُدّتي لليوم الموعود
أنا الشاهد وأنت المشهود



Dear Wise One in Your Kingdom,
Your light has manifested across the horizons of my soul, connected to the truth,
And it is You; all else is illusion and mirage that vanish with the folds of time.

In Your record, my name is written,
From the tree of pens.
You poured upon me the cascading knowledge from the Assembly of the Two Seas,
Your outpouring of the language of gnosis,
And endless sacred teachings.

Your Most Beautiful Names are my pulpit,
And I speak of You to the friend of my soul who understands me,
Yet he remains silent, content with the language of signs, upon the five strings,
For he knows he cannot match me in speech.

I love him and seek union through him,
For he is a homeland for my exiled soul,
Amidst the throng of spirits
In whom I see nothing but darkness.

My God, You have guided me with Your inspiration and revelation, and fulfilled Your promise,
Changing my view of those around me.
And now I am a renewed being,
I have a title,
And I await from You the answer
To the greatest question that wanders in my mind:
When shall I begin the transition to the world of ornamentation,
To be among the four kings, bearers of the crowns?

Between You and me is a strong connection,
Unbroken,
Extending since eternity.
You have made me in the form of a celestial being,
Seeing no importance in existence,
For the compass of my heart is directed toward You.

The connection of the devoted servant with the Generous Lord.

I call upon You, and my soul flutters toward You,
Like the wings of a dove.

I travel with the consciousness of the prophets
To the vastness of Your magnificent kingdom,
Preparing to speak in the language of the inhabitants of the heavens.
I have readied my provisions for the appointed day,
I am the witness, and You are the witnessed.

Text by the poet: Donia Sahib – Iraq

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Maria Beatriz Muñoz Ruiz intervista Irene Doura Kavadia – Grecia

Foto cortesia di Irene Doura Kavadia – Grecia


Di María Beatriz Muñoz Ruiz

Oggi ho l’onore di intervistare una grande donna: Irene Doura Kavadia. Il suo sorriso, la sua vicinanza e la sua simpatia fanno sì che, oltre ad essere una scrittrice con una lunga carriera, risulti una persona con cui è facile conversare e imparare. Fin da giovane ha iniziato a scrivere, e nel corso degli anni ha pubblicato 21 libri in diversi generi, anche se è nella poesia che trova la sua vera voce.

In questo intervento ci condivide i suoi ricordi d’infanzia, le influenze che hanno segnato il suo cammino, la sua visione della poesia nel mondo attuale e i progetti che la motivano nel presente.

• Fin da piccola sapevi che volevi essere una scrittrice. Ti ricordi il tuo primo libro?

Sì, da quando ero una bambina ho sentito il richiamo della scrittura come un destino inevitabile. Ricordo con particolare affetto i miei primi racconti di mistero, su un gruppo di scolari e il loro cane che cercavano la soluzione ad enigmi in castelli abbandonati o nel proprio vicinato, ispirati ai libri di avventure giovanili che tanto mi piaceva leggere. Avevo solo otto anni quando ho osato tracciare quelle prime avventure sulla carta, lavorando i personaggi e colorando i loro volti con gli occhi della mia anima. A dodici anni, chiesi a mia madre una macchina da scrivere -non c’erano computer allora- e lei, con quel gesto d’amore, mi diede lo strumento che sigillò la mia decisione di diventare scrittrice. Il “click-clac” dei tasti divenne la musica dei miei primi sogni letterari. Scrivere per me non è mai stato un passatempo; era il primo sussurro di una vocazione, la prima scintilla di un fuoco eterno.
“Scrivevo prima di conoscere il peso delle parole – eppure mi portavano come ali.”

• Hai condiviso la tua passione letteraria con la famiglia o gli amici?

La mia famiglia mi ha sempre accompagnato, anche se all’inizio non riuscivano a comprendere appieno l’ampiezza di questa passione.
Mia madre fu la mia prima complice: mi regalò la macchina da scrivere e incoraggiò la mia veglia creativa. Nel corso degli anni ho condiviso con amici e persone care non solo i miei testi, ma anche la convinzione che scrivere è un modo di vivere intensamente, di trasformare l’esperienza in parole, e le parole in testimonianza eterna. E sì, la mia prima poesia l’ho letta ai miei amici più cari durante la ricreazione scolastica. Quello era solo l’inizio; la timida rivelazione di una voce che doveva essere espressa.

• Qualche simpatico aneddoto sui tuoi inizi?

Una che conservo con molto affetto è proprio il giorno in cui ho ricevuto la mia macchina da scrivere. Quando la mamma l’ha messa sulla mia scrivania sono rimasta a guardarla con stupore: era un tesoro sacro per me. Ma non era, certo, un giocattolo, ma una macchina professionale: pesante, rumorosa, difficile da usare con le dita minuscole dell’adolescenza nascente, eppure per me era la chiave di un universo infinito di possibilità. Questa stessa emozione mi accompagna ancora oggi ogni volta che inizio un nuovo lavoro sul mio portatile.

• Quale scrittore o scrittrice ti ha ispirato a seguire questa strada?

Sono stati molti, in stadi diversi: Omero e i tragici greci, che mi hanno insegnato la grandezza del destino umano; Cavafis, il mio preferito, che ha aperto una porta al più intimo della coscienza; e più tardi, Wilde, Shakespeare, Poe, Brecht, Gibran… Ognuno ha lasciato un segno, una scintilla di ispirazione dentro di me. Ma se devo scegliere, direi che la vita stessa, con i suoi misteri, luci e ombre, è sempre stata la mia più grande ispirazione, insieme alla Musa stessa.

• Dei tuoi 21 libri, se dovessi rimanere con un solo genere, quale sarebbe?

La poesia, senza dubbio. Anche se ho esplorato romanzi, racconti, saggi, racconti per bambini, misteri, persino polizieschi, la poesia è il genere che mi libera di più. È la mia amica fedele, quella che mi sostiene nelle notti insonni, quella che mi permette di unire il mondo esterno con il mio universo interiore. È la chiamata della Musa che mi fa rivivere, e io la seguo nei regni della passione e dell’ispirazione divina.

• Se potessi dipingere una delle tue poesie, quali colori e forme useresti?

Ho già una poesia intitolata “Celeste”. Così, senza dubbio, lo dipingerei con infiniti azzurri del mare e del cielo e dorati luminosi, con la trasparenza di un mare greco e il calore dell’aurora. Forme fluide e libere che evocano sia la dolcezza del vento che la forza delle onde. Le mie poesie sono esattamente questo: le scintille dell’acqua, la freschezza, la calma del crepuscolo e la passione della luce e il fuoco che si trovano sulla stessa tela. Come il sole e la luna che si avvolgono l’un l’altro in perfetta armonia. Anche la mia natura gemella è così. In colore e in versi, sono tanto serenità quanto fiamma.

• Come vedi il futuro della poesia in un mondo così digitale?

Credo che la poesia rimarrà sempre una passione, così come un rifugio per l’umanità. Nessuno schermo può sostituire la vibrazione intima di un verso. Nell’era digitale, infatti, la poesia si moltiplica, viaggia, si traduce, raggiunge angoli inimmaginabili, il che, in sostanza, è positivo. Tuttavia, il suo nucleo rimane lo stesso: essere lo spazio dove l’anima si riconosce e si ritrova. E il mondo digitale non ha anima; è un luogo al quale solo gli umani possono dare senso portando dentro di sé la fiamma dei loro mondi interiori. La poesia sarà sempre quella fiamma, ricordandoci ciò che non potrà mai essere codificato: l’essenza stessa dell’umano.

• Parlaci di Irene nella sua vita personale.

“Cammino la riva raccogliendo conchiglie di verità,
ogni parola, ogni frase.”

Sono una donna appassionata di conoscenza, profondamente sensibile, compassionevole, amorevole. Esigente con me stessa e anche sognatrice. Una instancabile ricercatrice di verità e bellezza, qualcuno che si diletta nella natura, nel silenzio del mare, nei momenti con i propri cari. Un’eterna ricercatrice della luce e appassionata difensore dei grandi valori dell’umanità: uguaglianza, solidarietà, fraternità, pace. La Irene personale e la Irene scrittrice sono, in realtà, una stessa cosa: entrambe vivono con intensità e con fede nel potere trasformante dell’amore, della parola e delle belle arti. Non uso maschere diverse nella vita e nell’arte: le vivo come una sola unità, quella della pura verità.

• Se ci fosse una macchina del tempo, a che momento torneresti?

Forse tornerei all’infanzia, a quei momenti di pura innocenza in cui tutto era promessa. Sarei andata lì per un po’ per ricordare alla ragazza anteriore i suoi sogni del passato, solo per dirle che nulla è impossibile. Le direi di avere più fiducia in se stessa e che la vita è un viaggio destinato a essere vissuto intensamente. Tuttavia, non rimarrei lì e non cambierei nulla. Neanche un po’! Ogni passo che ho fatto, ogni strada che ho percorso, anche ogni lezione appresa con fatica, mi ha portata ad essere chi sono oggi. E a chi sono, l’abbraccio con gratitudine. Sono grata perché ho raggiunto molto più di quanto abbia mai sognato.

• Parli sei lingue – quale ti ispira di più per scrivere poesie?

Più spesso nella mia lingua madre, il greco, perché è la radice del mio pensiero. Mi sembra naturale essere discendente di Omero. Tuttavia, ogni lingua offre una sfumatura diversa, la sua propria melodia. In inglese trovo struttura, in francese musicalità, in spagnolo passione, in tedesco profondità filosofica, come nella mia lingua. Ognuno è una finestra, e a volte è la poesia stessa che decide in quale lingua vuole nascere.

• Quale lingua ti sembra più poetica?

Ogni lingua ha la sua musica interna, ma il greco, con la sua eredità millenaria, risuona in un modo unico in me. Anche così, lo spagnolo mi sembra intensamente poetico, pieno di forza e tenerezza, soprattutto di passione. Per quanto riguarda i miei testi, alcuni sono stati tradotti in più di venti lingue, prova che la poesia non conosce frontiere.

• Cosa ha significato per te il Canto Planetario?

“Quando molte voci intonano una sola canzone,
la terra stessa diventa una poesia.”

Era un’antologia, ma in sostanza un inno alla fraternità universale. Far parte di un’opera con 268 voci provenienti da 110 paesi e 77 lingue è stata un’esperienza profondamente umana. Ho sentito che la letteratura è davvero un ponte che unisce le anime al di là delle differenze, un canto collettivo per la pace e la speranza.

• Parlaci dei tuoi progetti futuri.

Lavoro in molti progetti e settori diversi. Ne citerò solo alcuni: un’antologia internazionale intitolata Vox Orbis di Writers International Edition come Editore Capo, sotto la guida del suo illustre Presidente, il Prof. Preeth Nambiar, dedicata alla luce, all’amore e alla pace. Come direttrice e CEO della International Language, Translation and IT Academy, sto lavorando a nuovi libri per facilitare l’insegnamento dell’inglese come lingua straniera, come manuali di grammatica (co-scritti con il Prof. Preeth Nambiar), un libro su come scrivere buoni saggi, un manuale per adulti, tra gli altri. Sono anche conferenziere in diverse istituzioni, offrendo discorsi e seminari in diversi campi. Scrivo anche una serie di libri su self-coaching, empowerment delle donne, bullismo scolastico, tra gli altri. Co-organizzo e coordino conferenze internazionali e progetti culturali che riuniscono intellettuali, scrittori e artisti di tutto il mondo in qualità di Segretario Generale della Writers Capital International Foundation e Vice Presidente dei Panorama Festivals, nonché vicepresidente del Global Vision Summit sotto la visione del Presidente Prof. Preeth Nambiar. In breve, il mio obiettivo rimane lo stesso: costruire ponti e lasciare un’eredità di amore, luce e versi dedicati all’umanità.

• Dove ti vedi tra dieci anni?

“Tra dieci anni sarò la stessa fiamma
solo più luminoso, solo più ampio nel suo abbraccio.”

¡È un’ottima domanda! Mi immagino ancora a leggere e scrivere con la stessa passione, circondata da libri, studenti e creatori di tutte le latitudini. Spero sinceramente che il Signore mi abbia concesso di fondare la mia università aperta, forse l’unico sogno che non si è ancora realizzato, e di poter offrire istruzione ai più bisognosi. Mi vedo anche viaggiare, seminando amore e speranza. E soprattutto, mi vedo rimanere fedele a ciò che sono sempre stata: una donna che crede che con la parola e l’amore possiamo cambiare il mondo. Dieci anni dopo non vedo le rughe dell’età; vedo più maturità e linee di poesia, incise più profondamente nella mia anima.

È stato un vero piacere parlare con Irene Doura Kavadia. La sua vicinanza, la sua simpatia e la passione con cui parla della letteratura fanno che ogni risposta sia una lezione e, allo stesso tempo, una carezza all’anima. La ringrazio profondamente per il tempo che ha condiviso con me e con tutti i lettori, e le auguro di continuare ad illuminare il mondo con i suoi versi, i suoi progetti e il suo instancabile lavoro culturale.

(Qui vi lascio il link di un’intervista fatta qualche tempo fa dallo scrittore, gestore culturale e compilatore di Canto Planetario Carlos Javier Jarquín: https://youtu.be/8sHpYf0BHn0?feature=shared )

Maria Beatriz Muñoz Ruiz









Por María Beatriz Muñoz Ruiz

Hoy tengo el honor de entrevistar a una gran mujer: Irene Doura Kavadia. Su sonrisa, su cercanía y su simpatía hacen que, además de ser una escritora con una amplia trayectoria, resulte una persona con la que es fácil conversar y aprender. Desde muy joven comenzó a escribir, y a lo largo de los años ha publicado 21 libros en distintos géneros, aunque es en la poesía donde encuentra su verdadera voz.

En esta charla nos comparte sus recuerdos de infancia, las influencias que marcaron su camino, su visión sobre la poesía en el mundo actual y los proyectos que la motivan en el presente.

• Desde pequeña sabías que querías ser escritora. ¿Recuerdas tu primer escrito?

Sí, desde que era apenas una niña sentí la llamada de la escritura como un destino inevitable. Recuerdo con especial cariño mis primeros relatos de misterio, sobre un grupo de escolares y su perro que buscaban la solución a enigmas en castillos abandonados o en su propio vecindario, inspirados en los libros de aventuras juveniles que tanto me gustaba leer. Tenía solo ocho años cuando me atreví a trazar aquellas primeras aventuras en el papel, trabajando los personajes y coloreando sus rostros con los ojos de mi alma. A los doce, pedí a mi madre una máquina de escribir —no había ordenadores entonces— y ella, con aquel gesto de amor, me dio la herramienta que selló mi decisión de convertirme en escritora. El “clic-clac” de las teclas se convirtió en la música de mis primeros sueños literarios. Escribir para mí no fue nunca un pasatiempo; fue el primer susurro de una vocación, la primera chispa de un fuego eterno.
“Escribía antes de conocer el peso de las palabras — y aún así me llevaban como alas.”

• ¿Compartiste tu pasión literaria con tu familia o tus amigos?

Mi familia siempre me acompañó, aunque al principio no pudieran comprender del todo la magnitud de esta pasión. Mi madre fue mi primera cómplice: ella me regaló mi máquina de escribir y alentó mi vigilia creativa. Con el paso de los años he compartido con amigos y seres queridos no solo mis textos, sino también la convicción de que escribir es una forma de vivir intensamente, de transformar la experiencia en palabras, y las palabras en testimonio eterno. Y sí, mi primer poema lo leí a mis amigos más cercanos en el recreo del colegio. Aquello fue apenas el comienzo; la tímida revelación de una voz que tenía que ser expresada.

• ¿Alguna anécdota entrañable de tus comienzos?

Una que guardo con mucho cariño es precisamente el día en que recibí mi máquina de escribir. Cuando mamá la colocó sobre mi escritorio me quedé mirándola con asombro: era un tesoro sagrado para mí. Pero no era, claro está, un juguete, sino una máquina profesional: pesada, ruidosa, difícil de usar con los dedos diminutos de la adolescencia naciente, y sin embargo para mí era la llave de un universo infinito de posibilidades. Esa misma emoción me acompaña todavía cada vez que empiezo una nueva obra en mi portátil hoy.

• ¿Qué escritor o escritora te inspiró a seguir este camino?

Fueron muchos, en distintas etapas: Homero y los trágicos griegos, que me enseñaron la grandeza del destino humano; Cavafis, mi favorito, que abrió una puerta a lo más íntimo de la conciencia; y más tarde, Wilde, Shakespeare, Poe, Brecht, Gibran… Cada uno dejó una huella, una chispa de inspiración dentro de mí. Pero si debo elegir, diría que la vida misma, con sus misterios, luces y sombras, ha sido siempre mi mayor inspiración, junto con la propia Musa.

• De tus 21 libros, si tuvieras que quedarte con un solo género, ¿cuál sería?

La poesía, sin duda. Aunque he explorado novelas, cuentos, ensayos, relatos infantiles, misterio, incluso lo policial, la poesía es el género que más me libera. Es mi amiga leal, la que me sostiene en las noches de insomnio, la que me permite unir el mundo exterior con mi universo interior. Es el llamado de la Musa que me revive, y yo la sigo en los reinos de la pasión y la inspiración divina.

• Si pudieras pintar uno de tus poemas, ¿qué colores y formas usarías?

Ya tengo un poema titulado “Celeste”. Así que, sin duda, lo pintaría con infinitos azules del mar y del cielo y dorados luminosos, con la transparencia de un mar griego y la calidez de la aurora. Formas fluidas y libres que evoquen tanto la suavidad del viento como la fuerza de las olas. Mis poemas son exactamente eso: las chispas del agua, la frescura, la calma del crepúsculo y la pasión de la luz y el fuego encontrándose en el mismo lienzo. Como el sol y la luna envolviéndose uno al otro en perfecta armonía. Mi naturaleza gemela es así también. En color y en verso, soy tanto serenidad como llama.

• ¿Cómo ves el futuro de la poesía en un mundo tan digital?

Creo que la poesía siempre seguirá siendo una pasión, así como un refugio para la humanidad. Ninguna pantalla puede reemplazar la vibración íntima de un verso. En la era digital, en efecto, la poesía se multiplica, viaja, se traduce, llega a rincones inimaginables, lo cual, en esencia, es positivo. Sin embargo, su núcleo permanece igual: ser el espacio donde el alma se reconoce y se reencuentra. Y el mundo digital no tiene alma; es un lugar al que solo los humanos pueden darle sentido al llevar dentro de él la llama de sus mundos interiores. La poesía será siempre esa llama, recordándonos lo que nunca podrá ser codificado: la esencia misma de lo humano.

• Háblanos de Irene en su vida personal.

“Camino la orilla recogiendo caracolas de verdad,
cada una una palabra, cada una una oración.”

Soy una mujer apasionada por el conocimiento, profundamente sensible, compasiva, amorosa. Exigente conmigo misma y también soñadora. Una incansable buscadora de verdad y belleza, alguien que se deleita en la naturaleza, en el silencio del mar, en los momentos con los seres queridos. Una eterna buscadora de la luz y apasionada defensora de los grandes valores de la humanidad: igualdad, solidaridad, fraternidad, paz. La Irene personal y la Irene escritora son, en realidad, una misma: ambas viven con intensidad y con fe en el poder transformador del amor, de la palabra y de las bellas artes. No uso diferentes máscaras en la vida y en el arte: los vivo como una sola unidad, la de la pura verdad.

• Si existiera una máquina del tiempo, ¿a qué momento volverías?

Quizás volvería a la infancia, a esos momentos de pura inocencia en los que todo era promesa. Iría allí un rato para recordarle a la niña interior sus sueños del pasado, solo para decirle que nada es imposible. Le diría que confiara más en sí misma y que la vida es un viaje destinado a vivirse intensamente. Sin embargo, no me quedaría allí ni cambiaría nada. ¡Ni lo más mínimo! Cada paso que di, cada camino que recorrí, incluso cada lección aprendida con dificultad, me ha llevado a ser quien soy hoy. Y a quien soy, la abrazo con gratitud. Estoy agradecida, porque he logrado mucho más de lo que jamás soñé.

• Hablas seis idiomas — ¿en cuál te inspiras más para escribir poesía?

Con mayor frecuencia en mi lengua materna, el griego, porque es la raíz de mi pensamiento. Me resulta natural siendo descendiente de Homero. Sin embargo, cada idioma ofrece un matiz distinto, su propia melodía. En inglés hallo estructura, en francés musicalidad, en español pasión, en alemán profundidad filosófica, como en mi propia lengua. Cada uno es una ventana —y a veces es el propio poema el que decide en qué idioma desea nacer.

• ¿Qué idioma te parece más poético?

Cada idioma tiene su música interna, pero el griego, con su herencia milenaria, resuena de un modo único en mí. Aun así, el español me resulta intensamente poético también, lleno de fuerza y ternura, sobre todo de pasión. En cuanto a mis textos, algunos han sido traducidos a más de veinte idiomas, prueba de que la poesía no conoce fronteras.

• ¿Qué significó para ti Canto Planetario?

“Cuando muchas voces tejen una sola canción,
la tierra misma se convierte en un poema.”

Fue una antología, pero en esencia un himno a la fraternidad universal. Formar parte de una obra con 268 voces de 110 países y 77 lenguas fue una experiencia profundamente humana. Sentí que la literatura es realmente un puente que une las almas más allá de las diferencias, un canto colectivo por la paz y la esperanza.

Háblanos de tus proyectos futuros.

Trabajo en muchos proyectos y ámbitos distintos. Mencionaré solo algunos aquí: una antología internacional titulada Vox Orbis de Writers International Edition como Editora en Jefe, bajo el liderazgo de su ilustre Presidente, el Prof. Preeth Nambiar, dedicada a la luz, al amor y a la paz. Como Directora y CEO de la International Language, Translation and IT Academy, estoy trabajando en nuevos libros para facilitar la enseñanza del inglés como lengua extranjera, como manuales de gramática (co-escritos con el Prof. Preeth Nambiar), un libro sobre cómo redactar buenos ensayos, un manual para adultos, entre otros. También soy conferenciante en varias instituciones, ofreciendo discursos y seminarios en múltiples campos. Escribo además una serie de libros sobre self-coaching, empoderamiento de la mujer, acoso escolar, entre otros. Co-organizo y coordino conferencias internacionales y proyectos culturales que reúnen a intelectuales, escritores y artistas de todo el mundo en mi calidad de Secretaria General de la Writers Capital International Foundation y Vicepresidenta de los Festivales Panorama, así como Vicepresidenta del Global Vision Summit bajo la visión del Presidente Prof. Preeth Nambiar. En resumen, mi objetivo sigue siendo el mismo: construir puentes y dejar un legado de amor, luz y versos dedicados a la humanidad.

• ¿Dónde te ves dentro de diez años?

“Dentro de diez años seré la misma llama —
solo más brillante, solo más amplia en su abrazo.”

¡Esa es una muy buena pregunta! Me imagino todavía leyendo y escribiendo con la misma pasión, rodeada de libros, estudiantes y creadores de todas las latitudes. Espero sinceramente que el Señor me haya concedido fundar mi propia Universidad abierta, quizá el único sueño que aún no se ha materializado, y poder ofrecer educación a los más necesitados. También me veo viajando, sembrando amor y esperanza. Y por encima de todo, me veo permaneciendo fiel a lo que siempre he sido: una mujer que cree que con la palabra y el amor podemos cambiar el mundo. Diez años más adelante no veo arrugas de edad; veo más madurez y líneas de poesía, grabadas más profundamente en mi alma.

Ha sido un verdadero placer conversar con Irene Doura Kavadia. Su cercanía, su simpatía y la pasión con la que habla de la literatura hacen que cada respuesta sea una lección y, al mismo tiempo, una caricia al alma. Le agradezco profundamente el tiempo que ha compartido conmigo y con todos los lectores, y le deseo que continúe iluminando el mundo con sus versos, sus proyectos y su incansable labor cultural.

(Aquí les dejo el enlace de una entrevista que realizó hace un tiempo el escritor, gestor cultural y compilador de Canto Planetario Carlos Javier Jarquín: https://youtu.be/8sHpYf0BHn0?feature=shared )

María Beatriz Muñoz Ruiz

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Donia Sahib intervista

Foto cortesia dell’ artista e musicista di fama mondiale Naseer Shanna

Un dialogo filosofico: con l’artista e musicista di fama mondiale Naseer Shamma

I segreti dei colori archetipici ispirati alle manifestazioni delle leggi cosmiche

Intervistatrice: Donia Sahib – Iraq

L’artista e musicista di fama mondiale Naseer Shamma, attraverso la sua nuova visione filosofica ed espressiva, infonde nei suoi dipinti tocchi astratti ricchi di calma e serenità. Attraverso queste opere, egli riflette le leggi cosmiche in spazi estesi, dove le emozioni si intrecciano con la fisica e l’astronomia. Crea motivi cosmici con una visione simbolica metafisica, traendo ispirazione dalla psicologia dei colori dello spettro solare e sviluppando precise gradazioni cromatiche basate su principi scientifici, volte a evocare un’esperienza meditativa prima delle rappresentazioni della natura e delle formazioni galattiche.

I suoi dipinti non sono semplici colori su tela; costituiscono un sistema artistico che interpreta i fenomeni metafisici attraverso l’astrazione del colore. Presenta inoltre una visione unica della creazione umana dal nulla all’esistenza, fondata sul suo studio approfondito delle teorie filosofiche sufi. La sua visione si è ampliata fino a comprendere molteplici percorsi artistici e filosofici, tra cui l’estetica —la scienza della bellezza— manifestata tra lo stadio della realtà e quello dell’immaginazione, con blocchi di colore e miscele che esprimono i sentimenti della sua anima trasparente. Ogni dipinto è realizzato seguendo meticolosi esercizi su sottili note musicali, armonizzando scientificamente colori e musica per permettere allo spettatore di immergersi in profondi spazi cosmici.

Le sue opere, spogliate di ogni illusione di vita fugace, catturano l’attenzione visiva in momenti tranquilli, lontani dal clamore del mondo. Gli spettatori si riuniscono attorno alle sue incantevoli composizioni cosmiche, dove il cielo infinito rivela i suoi segreti davanti ai loro occhi. Le sue opere raffigurano universi e pianeti lontani che ruotano in orbite maestose, combinando suono e colore con una fluidità artistica stimolante. I suoi motivi cosmici ricordano un viaggio esplorativo nelle profondità dell’universo, dove le sfumature tropicali dei suoi colori suggeriscono regni nascosti oltre la natura e la realtà materiale, immergendo gli spettatori in dettagli evocativi che innescano vaste visioni immaginarie, elevandoli a una quinta dimensione spirituale oltre il mondo materiale e fisico.

Naseer Shamma è da tempo celebrato per la sua pittura evocativa e la sua magistrale musica improvvisata. Porta gli spettatori in un viaggio spirituale, dove i suoi colori astratti archetipici e le sue composizioni musicali aiutano a liberare gli attaccamenti alla vita mondana e ad abbandonare desideri e passioni, dirigendo l’attenzione verso la dimora eterna dell’anima nel regno celeste e promuovendo l’adesione alle virtù umane e agli ideali superiori.

Nelle sue altre opere musicali, fonde colori freddi con toni vellutati e texture iridescenti per creare segnali visivi riflessivi che indicano la connessione diretta e completa dell’umanità con il Creatore. Illustra inoltre l’armonia umana con ogni particella dell’ambiente cosmico, incarnando attraverso le sue opere e i suoi messaggi artistici la filosofia dell’unità sufi dell’esistenza, derivante dai suoi pensieri illuminati e dalla sua vasta conoscenza.

Questo dialogo è stato condotto in un’atmosfera contemplativa sufi, dove abbiamo discusso dell’importanza di insegnare alle giovani generazioni i principi del misticismo islamico, trasmettendo i significati spirituali e filosofici dell’arte e della profonda esperienza umana.


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• Definire l’alfabeto della propria filosofia nel vasto mondo artistico per quanto riguarda la fusione tra musica e arte visiva?

Il mio approccio alla fusione tra musica e arte visiva si basa sull’idea di armonia cosmica tra i sensi, dove la musica trascende i semplici suoni per diventare impulsi tangibili, mentre i colori si trasformano in note vibranti. Questa relazione tra tono e colore, ritmo e spazio, genera un mondo parallelo, consentendo all’espressione artistica di crescere in direzioni inaspettate. In questa prospettiva, l’arte è in un continuo stato di trasformazione, nutrendosi a vicenda, affinché ogni forma d’arte risieda dentro e completi l’altra.



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• Quali tecniche moderne utilizzi per dipingere le tue opere d’arte?

Nei miei dipinti utilizzo materiali riciclati, trasformandoli in miscele concentrate e colori invecchiati attraverso sperimentazioni prolungate. Queste tecniche mi danno un senso del tempo e della profondità, dove materiali semplici si trasformano in ricche texture che raccontano contemporaneamente la storia sia del tangibile che dell’astratto, facendo respirare a ogni dipinto la propria storia.



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• Il movimento modernista ha influenzato il tuo stile artistico musicale e visivo? Tra autenticità e modernità, quale posizione adotti?

Il movimento modernista mi ha incoraggiato a esplorare nuove dimensioni nella musica e nelle arti visive, aprendo orizzonti alla libera espressione e alla sperimentazione oltre i vincoli tradizionali. Tuttavia, considero l’autenticità una parte inseparabile della mia identità artistica. Vedo la modernità non come una rottura con il passato, ma come un mezzo per reinterpretarla in modo innovativo. Di fronte alla sfida tra autenticità e modernità, adotto un approccio equilibrato: impiego tecniche e idee moderne, preservando al contempo l’essenza delle tradizioni artistiche precedenti. Per me questo equilibrio crea un mondo artistico senza tempo in cui il vecchio risuona con la nuova vita.



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• C’è differenza nella tua visione espressiva astratta tra un dipinto e l’altro? Chiarire l’idea del contenuto.

Sì, c’è una differenza significativa nella mia visione espressiva astratta tra ogni dipinto, poiché ogni opera deriva da un’esperienza o da un concetto diverso. Tratto ogni dipinto come un mondo indipendente, in cui il suo contenuto si forma in base allo stato emotivo e ai simboli che desidero trasmettere. A volte l’astrazione riflette il conflitto interiore o l’equilibrio tra caos e ordine; altre volte celebra la vita semplice o la natura. Il contenuto del dipinto cambia a seconda dell’esperienza, rendendo ogni opera un messaggio unico aperto a molteplici interpretazioni.



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• Qual è la tua “formula magica” per fondere composizioni di colori freddi con gradazioni influenzate dall’illuminazione nei tuoi dipinti?

La mia formula per miscelare i colori si basa su fasi precise, a partire dalla stratificazione, utilizzando miscele di materiali riciclati e pigmenti invecchiati. Cerco una profonda armonia tra i colori, in cui ogni colore mantenga il proprio spazio senza perdere la connessione con gli altri. Nei miei dipinti, i colori freddi non solo riflettono la calma dell’universo ma si armonizzano anche con la sua vastità. Vedo il blu, il verde e il grigio come estensioni dello spazio infinito, di profondità illimitate dalla distanza e di onde luminose che si irradiano dal sole, dalla luce della luna e dalle stelle lontane. Integro i materiali naturali come parte inseparabile della mia visione, poiché ogni consistenza e materiale porta l’impronta di questo vasto mondo. Attraverso questa fusione, il mio obiettivo è esprimere la relazione tra gli esseri umani e il cosmo, dove i colori freddi si armonizzano con le materie prime per rappresentare pianeti, galassie e forse persino l’impronta dell’umanità nell’universo. L’illuminazione è una parte essenziale del “teatro” del dipinto; tratto la luce come un elemento che guida l’emozione, evidenziando o nascondendo determinati dettagli, creando tensione visiva e sensazione dinamica che permette al dipinto di respirare in momenti diversi.



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• Un dialogo musicale con colori caldi sotto forma di decorazione cosmica—qual è il segreto dietro questa creatività innovativa nella tua arte visiva?

Il segreto del dialogo tra musica e colori caldi nelle mie opere sta nel creare armonia tra sensi visivi e uditivi. Per me i colori caldi non sono semplici sfumature: sono impulsi vivi che trasportano lo spirito della musica. Quando mescolo colori come il rosso, l’arancione e l’oro, evoco il calore delle melodie e trasformo ogni pennellata in una nota visibile. Questi colori assomigliano a composizioni musicali che salgono gradualmente, portando lo spettatore in un viaggio sensoriale pieno di gioia. La decorazione cosmica nelle mie opere riflette la mia convinzione che l’universo sia pieno di ritmo e ordine; ogni elemento della natura, che sia una nota o un colore, fa parte di uno schema eterno e interconnesso. I colori caldi creano questo dialogo cosmico all’interno del dipinto, fondendo il senso della musica con l’armonia visiva, rendendo il dipinto una sinfonia di movimento e flusso. Questo approccio innovativo nasce dal mio desiderio di trascendere i confini artistici tradizionali, creando un linguaggio che parli sia all’anima che alla mente, trasformando il dipinto in un’esperienza sensoriale completa che abbraccia lo spettatore, proprio come la musica abbraccia e ravviva l’ascoltatore.



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• Dove sta andando la tua vasta esperienza artistica, intrisa di musica?

Il mio percorso artistico è orientato all’esplorazione dello spazio tra i pianeti e del rapporto della Terra con l’ambiente cosmico circostante, dove trovo una fonte inesauribile di ispirazione. Unendo la musica all’arte visiva, il mio obiettivo è creare dipinti che trasmettano la sensazione di immersione in questo vasto spazio, raffigurando luoghi immaginari che consentono agli spettatori di viaggiare tra regni diversi. Ogni opera d’arte che presento è un invito a esplorare questi spazi cosmici, dove colori e ritmi caldi e freddi formano elementi interconnessi che rappresentano l’armonia tra la Terra e l’universo esterno. Credo che l’arte possa esprimere questo spazio, rendendolo un’arena di riflessione e di autoesplorazione. I dipinti che creo riflettono questa profonda relazione, in cui ogni colore e ogni pennellata esprimono la spinta verso l’infinito e la diversità dell’universo, trasformando ogni opera in un’esperienza unica che porta con sé un nuovo “pianeta” di idee e visioni.



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• Il tuo messaggio ispiratore che trasmette la trasparenza della logica umana—speri che raggiunga le generazioni future?

Il mio messaggio sottolinea l’importanza di ricercare la bellezza in ogni momento, sia esso musicale, visivo o testuale. Credo che le arti non siano semplici espressioni della realtà ma esperienze sensoriali che ci permettono di esplorare la profondità interiore e il nostro rapporto con l’universo. Esorto le generazioni ad abbracciare colori caldi e freddi che riflettano emozioni positive e vibranti, un senso di bellezza, energia, calma e pace, usandoli come strumenti per comunicare con il mondo che le circonda. L’arte dovrebbe essere un mezzo per interagire con sentimenti e idee, sforzandosi di offrire nuove interpretazioni della nostra realtà.



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• L’eccezionale parola conclusiva del dialogo?

Attraverso esperienze artistiche che uniscono musica e arte visiva, ricreiamo momenti che ci consentono di confrontarci contemporaneamente con il caos e la bellezza. Infine, incoraggio tutti a esplorare lo spazio tra i Pianeti e a riflettere sul proprio ruolo come parte di questo vasto universo, dove ogni momento è un’opportunità di creatività e scoperta.











A Philosophical Dialogue: With the World-Renowned Artist and Musician Naseer Shamma

Secrets of Archetypal Colors Inspired by the Manifestations of Cosmic Laws

Interviewer: Donia Sahib – Iraq

The world-renowned artist and musician Naseer Shamma, through his new philosophical and expressive vision, infuses his paintings with abstract touches brimming with calmness and serenity. Through these works, he reflects the cosmic laws across expansive spaces, where emotion intertwines with physics and astronomy. He creates cosmic motifs with a metaphysical symbolic vision, drawing inspiration from the psychology of solar spectrum colors and developing precise color gradations based on scientific principles, aimed at evoking a meditative experience before depictions of nature and galactic formations.

His paintings are not merely colors on a canvas; they constitute an artistic system that interprets metaphysical phenomena through color abstraction. He also presents a unique vision of human creation from nothingness to existence, grounded in his in-depth study of Sufi philosophical theories. His vision has expanded to encompass multiple artistic and philosophical paths, including aesthetics—the science of beauty—manifested between the stage of reality and imagination, with color blocks and blends expressing the sentiments of his transparent soul. Each painting is created following meticulous exercises on subtle musical notes, harmonizing colors and music scientifically to allow the viewer to immerse themselves in profound cosmic spaces.

His artworks, stripped of all illusions of fleeting life, capture visual attention in quiet moments, far from the clamor of the world. Viewers gather around his enchanting cosmic compositions, where the infinite sky reveals its secrets before their eyes. His works depict distant universes and planets revolving in majestic orbits, combining sound and color with inspiring artistic fluidity. His cosmic motifs resemble an exploratory journey into the depths of the universe, where the tropical gradients of his colors suggest hidden realms beyond nature and material reality, immersing viewers in evocative details that spark vast imaginary visions, elevating them to a fifth spiritual dimension beyond the material and physical world.

Naseer Shamma has long been celebrated for his evocative painting and masterful improvisational music. He takes viewers on a spiritual journey, where his archetypal abstract colors and musical compositions help release attachments to worldly life and abandon desires and passions, directing attention to the eternal dwelling of the soul in the celestial realm, and promoting adherence to human virtues and higher ideals.

In his other musical works, he blends cool colors with velvety tones and iridescent textures to create reflective visual cues indicating humanity’s direct and complete connection with the Creator. He also illustrates human harmony with every particle in the cosmic environment, embodying through his artworks and artistic messages the philosophy of Sufi unity of existence, arising from his enlightened thoughts and vast knowledge.

This dialogue was conducted in a Sufi contemplative atmosphere, where we discussed the importance of teaching younger generations the principles of Islamic mysticism, conveying the spiritual and philosophical meanings of art and deep human experience.


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• Define the alphabet of your philosophy in your broad artistic world regarding the fusion of music and visual art?

My approach to fusing music and visual art is based on the idea of cosmic harmony among the senses, where music transcends mere sounds to become tangible pulses, while colors transform into vibrant notes. This relationship between tone and color, rhythm and space, generates a parallel world, allowing artistic expression to grow in unexpected directions. From this perspective, art is in a continuous state of transformation, nourishing each other, so that each form of art resides within and completes the other.



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• What modern techniques do you use in painting your artworks?

In my paintings, I use recycled materials, transforming them into concentrated mixtures and aged colors through prolonged experimentation. These techniques give me a sense of time and depth, where simple materials turn into rich textures telling the story of both the tangible and the abstract simultaneously, making each painting breathe its own history.



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• Has the Modernist movement influenced your musical and visual artistic style? Between authenticity and modernity, what stance do you adopt?

The Modernist movement encouraged me to explore new dimensions in music and visual art, opening horizons for free expression and experimentation beyond traditional constraints. However, I consider authenticity an inseparable part of my artistic identity. I see modernity not as a break from the past, but as a means to reinterpret it innovatively. Facing the challenge between authenticity and modernity, I adopt a balanced approach; I employ modern techniques and ideas while preserving the essence of preceding artistic traditions. For me, this balance creates a timeless artistic world where the old resonates with new life.



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• Is there a difference in your abstract expressive vision between one painting and another? Clarify the idea of the content.

Yes, there is a significant difference in my abstract expressive vision between each painting, as every work stems from a different experience or concept. I treat each painting as an independent world, where its content forms according to the emotional state and symbols I wish to convey. Sometimes abstraction reflects inner conflict or the balance between chaos and order; other times, it celebrates simple life or nature. The content of the painting changes according to experience, making each work a unique message open to multiple interpretations.



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• What is your “magical formula” for blending cold color compositions with gradations influenced by lighting in your paintings?

My formula for blending colors relies on precise stages, starting with layering, using mixtures of recycled materials and aged pigments. I seek deep harmony among colors, where each color maintains its own space without losing connection with others. In my paintings, cool colors not only reflect the calm of the universe but also harmonize with its vastness. I see blue, green, and gray as extensions of infinite space, of depths unbounded by distance, and of light waves radiating from the sun, moonlight, and distant stars. I integrate natural materials as an inseparable part of my vision, as each texture and material carries the imprint of this vast world. Through this blending, I aim to express the relationship between humans and the cosmos, where cool colors harmonize with raw materials to represent planets, galaxies, and perhaps even humanity’s imprint in the universe. Lighting is an essential part of the “theater” of the painting; I treat light as an element guiding emotion, highlighting or concealing certain details, creating visual tension and dynamic feeling that allows the painting to breathe at different moments.



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• A musical dialogue with warm colors in the form of cosmic decoration—what is the secret behind this innovative creativity in your visual art?

The secret behind the dialogue of music and warm colors in my works lies in creating harmony between visual and auditory senses. Warm colors, for me, are not mere shades; they are living pulses carrying the spirit of music. When I blend colors like red, orange, and gold, I evoke the warmth of melodies and turn every brushstroke into a visible note. These colors resemble musical compositions that ascend gradually, taking the viewer on a sensory journey filled with delight. The cosmic decoration in my works reflects my belief that the universe is full of rhythm and order; every element in nature, whether a note or a color, is part of an eternal, interconnected pattern. Warm colors create this cosmic dialogue within the painting, merging the sense of music with visual harmony, making the painting a symphony of movement and flow. This innovative approach stems from my desire to transcend traditional artistic boundaries, creating a language that speaks to both the soul and the mind, turning the painting into a complete sensory experience that embraces the viewer, much like music embraces and enlivens the listener.



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• Where is your broad artistic experience, infused with music, heading?

My artistic journey is directed toward exploring the space between planets and the Earth’s relationship with its cosmic surroundings, where I find an inexhaustible source of inspiration. By merging music with visual art, I aim to create paintings that convey the sensation of immersion in this vast space, depicting imagined locations allowing viewers to travel between different realms. Each artwork I present is an invitation to explore these cosmic spaces, where warm and cool colors and rhythms form interconnected elements representing harmony between Earth and the external universe. I believe art can express this space, making it an arena for reflection and self-exploration. The paintings I create reflect this profound relationship, with each color and brushstroke expressing the pull toward infinity and the universe’s diversity, transforming every work into a unique experience carrying a new “planet” of ideas and visions.



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• Your inspiring message that conveys the transparency of human logic—do you hope it reaches future generations?

My message emphasizes the importance of seeking beauty in every moment, whether musical, visual, or textual. I believe the arts are not mere expressions of reality but sensory experiences that allow us to explore the inner depth and our relationship with the universe. I urge generations to embrace warm and cool colors that reflect positive, vibrant emotions, a sense of beauty, energy, calm, and peace, using them as tools to communicate with the world around them. Art should be a means of engaging with feelings and ideas, striving to offer new interpretations of our reality.



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• The exceptional closing word of the dialogue?

Through artistic experiences combining music and visual art, we recreate moments, allowing us to confront both chaos and beauty simultaneously. Finally, I encourage everyone to explore the space between planets and reflect on their role as part of this vast universe, where every moment is an opportunity for creativity and discovery.




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Foto cortesia di Naseer Shanna e alcune sue opere d’arte

La giornalista e poetessa Donia Sahib – Iraq intervista Azza Al Qubaisi: l’artista visiva che ha reinventato il patrimonio emiratino attraverso l’arte contemporanea

Foto cortesia di Azza Al Qubaisi

Azza Al Qubaisi: l’artista visiva che ha reinventato il patrimonio emiratino attraverso l’arte contemporanea

Intervista di: Donia Sahib – Iraq

L’artista e designer emiratina Azza Al Qubaisi è un esempio vivente del potere creativo e dell’innovazione delle donne emiratine. Attraverso le sue diverse opere —che spaziano da gioielli e sculture interattive a installazioni su larga scala— ha messo in risalto l’estetica del patrimonio emiratino presentandola in uno spirito contemporaneo che si armonizza con il design dell’arte moderna.

La sua partecipazione a importanti mostre internazionali come Expo Milano ed Expo Dubai ha segnato tappe fondamentali, rafforzando la sua presenza artistica e introducendo il mondo all’identità emiratina attraverso una rinnovata lente creativa. Con una visione che fonde belle arti e artigianato tradizionale, Al Qubaisi si è assicurato un posto di rilievo tra i principali nomi artistici degli Emirati Arabi Uniti e della regione del Golfo.

Traendo ispirazione dall’ambiente locale —dal burqa e dalle fronde di palma alle dune del deserto— trasforma questi elementi in opere interattive che portano l’identità del luogo ed evidenziano il rapporto tra gli esseri umani e il loro ambiente. Il suo viaggio è diventato così un ponte culturale, trasportando il patrimonio emiratino nel regno dell’arte globale, espresso in un linguaggio visivo contemporaneo che risuona universalmente.

La conversazione con lei si è svolta in modo interattivo, andando oltre le semplici domande fino a un dialogo coinvolgente sulle tappe fondamentali del suo percorso artistico e creativo. Ciò ha conferito all’intervista uno spirito vibrante che riflette sia la profondità della sua esperienza sia la ricchezza della sua visione.


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• Chi è Azza Al Qubaisi come persona, prima di diventare artista, designer di gioielli e scultrice?

Prima di diventare un’artista, ero una bambina che vedeva la bellezza nei piccoli dettagli, collezionava oggetti del deserto e del mare e amava trasformarli in qualcosa di significativo. Nel profondo, ero sempre alla ricerca di espressione—un modo per dire chi sono senza parole. L’arte è diventata il ponte tra me e il mondo.



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• Quali sono le tappe più significative del tuo percorso artistico che hanno plasmato la tua distinta identità di artista visivo, designer di gioielli e scultrice?

La mia formazione a Londra nel 1997 mi ha dato il mio primo vero inizio e da lì ho iniziato a plasmare una visione artistica che portava la mia impronta digitale. Partecipare a mostre internazionali, progettare premi nazionali come la “Coppa Mubadala” e rappresentare il mio Paese in forum artistici globali sono stati momenti decisivi che hanno consolidato la mia identità artistica, dove ho potuto fondere la mia eredità emiratina con la mia voce personale di artista.



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• Le tue opere spesso fondono l’autentica eredità emiratina con la visione contemporanea. Come interpreti questa dualità nella tua filosofia artistica?

Credo che la vera arte non cancelli il passato né rimanga confinata in esso—si basa su di esso. Traggo ispirazione dal patrimonio degli Emirati, che fa parte della nostra memoria collettiva, e lo riformulo attraverso una visione contemporanea che parla al nostro presente e apre finestre verso il futuro. Per me questa dualità non è una contraddizione ma un’armonia.



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• Molte delle tue opere combinano solidità e morbidezza, e materiali naturali con un design raffinato. Cosa esprime questa miscela nella tua visione e che impatto ha sulle generazioni più giovani?

Le mie opere bilanciano i contrasti: la solidità del metallo con la morbidezza della forma, la ruvidità della natura con la delicatezza del design. Questo equilibrio riflette la mia prospettiva sulla vita di donna emiratina —forte e sensibile. Credo che questo simbolismo ispiri le generazioni più giovani ad apprezzare la bellezza nei contrasti e a comprendere che l’identità può essere espressa in molte forme diverse.



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• Hai lanciato l’iniziativa “Tocco di creatività” per sostenere i giovani talenti. Qual è l’importanza di questa iniziativa e quali sono stati finora i suoi principali risultati?

“Touch of Creativity” è nato dalla mia profonda convinzione nella necessità di aprire le porte alle generazioni future. L’iniziativa ha dato ai giovani la possibilità di scoprire le proprie capacità creative e di realizzare opere che riflettano chi sono. Ciò che mi rende più felice è che alcuni di loro hanno continuato su questa strada e hanno avviato i propri progetti. Può essere un piccolo contributo, ma ha un impatto duraturo nel coltivare una generazione creativa.



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• Come si sviluppa solitamente un’idea progettuale? Deriva da un momento di ispirazione o da una pianificazione deliberata?

A volte l’idea nasce come una scintilla improvvisa, altre volte come risultato di un lungo viaggio di riflessione. Osservo, ascolto e sento— a volte un pezzo di fronda di palma o un’ombra sulla sabbia aprono la porta a un nuovo design. Ma dopo quel momento iniziale, c’è ricerca, pianificazione e sperimentazione fino a quando il pezzo raggiunge la sua forma finale, in equilibrio tra concetto ed esecuzione.



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• Quali sono le tue ambizioni future? Hai progetti imminenti attraverso i quali miri a lasciare un nuovo segno?

Aspiro ad espandermi ulteriormente nelle sculture dello spazio pubblico, a creare opere che interagiscano con le comunità e arricchiscano il paesaggio visivo delle città. Ho progetti in programma a livello locale, regionale e internazionale e spero che ognuno di essi diventi un nuovo ponte tra me e le persone.



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• Come definiresti il tuo messaggio artistico?

Il mio messaggio artistico è un dialogo continuo tra passato e presente. È uno specchio che riflette la mia identità di emiratino, musulmano, donna ed essere umano. Credo che l’arte non sia solo un mezzo di espressione ma anche un mezzo di trasformazione —di avvicinare le culture e di piantare semi di rispetto e apprezzamento per l’altro.








Azza Al Qubaisi: The Visual Artist Who Reimagined Emirati Heritage Through Contemporary Art

Interview by: Donia Sahib – Iraq

The Emirati artist and designer Azza Al Qubaisi stands as a living example of the creative power and innovation of Emirati women. Through her diverse works—ranging from jewelry and interactive sculptures to large-scale installations—she has highlighted the aesthetics of Emirati heritage while presenting it in a contemporary spirit that harmonizes with modern art design.

Her participation in major international exhibitions such as Expo Milano and Expo Dubai marked pivotal milestones, reinforcing her artistic presence and introducing the world to the Emirati identity through a renewed creative lens. With a vision that fuses fine arts and traditional crafts, Al Qubaisi has secured a distinguished place among the leading artistic names in the UAE and the Gulf region.

Drawing inspiration from the local environment—from the burqa and palm fronds to desert dunes—she transforms these elements into interactive works that carry the identity of place and highlight the relationship between human beings and their environment. Her journey thus became a cultural bridge, transporting Emirati heritage into the realm of global art, expressed in a contemporary visual language that resonates universally.

The conversation with her unfolded interactively, going beyond mere questions to an engaging dialogue about the milestones of her artistic and creative journey. This gave the interview a vibrant spirit reflecting both the depth of her experience and the richness of her vision.


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• Who is Azza Al Qubaisi as a person, before being an artist, jewelry designer, and sculptor?

Before I became an artist, I was a child who saw beauty in small details, collecting things from the desert and the sea, and loving to transform them into something meaningful. Deep inside, I was always searching for expression—a way to say who I am without words. Art became the bridge between me and the world.



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• What are the most significant milestones in your artistic journey that shaped your distinct identity as a visual artist, jewelry designer, and sculptor?

My education in London in 1997 gave me my first true beginning, and from there I started to shape an artistic vision that bore my own fingerprint. Participating in international exhibitions, designing national awards such as the “Mubadala Cup,” and representing my country in global artistic forums were defining moments that solidified my artistic identity, where I was able to merge my Emirati heritage with my personal voice as an artist.



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• Your works often merge authentic Emirati heritage with contemporary vision. How do you interpret this duality in your artistic philosophy?

I believe that true art neither erases the past nor remains confined within it—it builds upon it. I draw inspiration from Emirati heritage, which forms part of our collective memory, and reframe it through a contemporary vision that speaks to our present and opens windows toward the future. For me, this duality is not a contradiction but a harmony.



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• Many of your works combine solidity with softness, and natural materials with refined design. What does this blend express in your vision, and how does it impact younger generations?

My works balance contrasts: the solidity of metal with the softness of form, the roughness of nature with the delicacy of design. This equilibrium reflects my perspective on life as an Emirati woman—both strong and sensitive. I believe this symbolism inspires younger generations to appreciate beauty in contrasts, and to understand that identity can be expressed in many different forms.



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• You launched the “Touch of Creativity” initiative to support young talents. What is the importance of this initiative, and what have been its key outcomes so far?

“Touch of Creativity” was born from my deep belief in the need to open doors for future generations. The initiative gave young people the chance to discover their creative abilities and produce works that reflect who they are. What makes me happiest is that some of them continued on this path and established their own projects. It may be a small contribution, but it has a lasting impact in nurturing a creative generation.



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• How do you usually develop a design idea? Does it stem from a moment of inspiration, or from deliberate planning?

Sometimes the idea comes like a sudden spark, and sometimes as the result of a long journey of reflection. I observe, listen, and feel—sometimes a piece of palm frond or a shadow on the sand opens the door to a new design. But after that initial moment, there is research, planning, and experimentation until the piece reaches its final form, balanced between concept and execution.



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• What are your future ambitions? Do you have upcoming projects through which you aim to leave a new mark?

I aspire to expand further into public-space sculptures, to create works that interact with communities and enrich the visual landscape of cities. I have upcoming projects on local, regional, and international levels, and I hope each of them becomes a new bridge between me and people.



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• How would you define your artistic message?

My artistic message is a continuous dialogue between past and present. It is a mirror that reflects my identity as an Emirati, a Muslim, a woman, and a human being. I believe that art is not only a means of expression but also a means of transformation—of bringing cultures closer together, and of planting seeds of respect and appreciation for the other.



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La giornalista irachena Donia Sahib intervista la designer e artista di tende irachena Sawsan Al-Gailani“Sawsan Al-Gailani: Ogni finestra racconta una storia e ogni tenda è un dipinto che riflette lo spirito del luogo e la visione culturale del suo proprietario.”

Foto cortesia della designer e artista di tende irachena Sawsan Al-Gailani

Intervista con la designer e artista di tende irachena Sawsan Al-Gailani

Intervistata da: Donia Sahib – Iraq

“Sawsan Al-Gailani: Ogni finestra racconta una storia e ogni tenda è un dipinto che riflette lo spirito del luogo e la visione culturale del suo proprietario.”


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“Sawsan Al-Gailani: La mia storia di successo fonde l’autenticità dell’artigianato iracheno con la raffinatezza dei design moderni globali.”


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La designer irachena Sawsan Al-Gailani ha iniziato il suo percorso creativo nel mondo del design di tende, fondendo modernità ed eleganza e incarnando uno spirito contemporaneo attraverso eccezionali innovazioni artistiche che si armonizzano con l’arredamento e l’arredamento d’interni. Per lei, una tenda non è semplicemente un pezzo di tessuto che drappeggia su una finestra, ma piuttosto un’opera d’arte vibrante che porta l’impronta personale del proprietario di casa e riflette la sua identità culturale.

Grazie alla sua vasta competenza e al suo gusto raffinato a livello internazionale, è riuscita a far diventare Gailani Designs Inc. un nome illustre nel design di tende. La sua esperienza artistica e culturale, durata decenni, ha messo radici durante la sua migrazione negli Stati Uniti e il suo insediamento a Chicago —un’esperienza che l’ha arricchita con una profonda conoscenza di due culture distinte.

Attualmente, mira ad espandere la sua attività in altri Paesi, offrendo le sue lussuose collezioni di design di tende, con tessuti pregiati accuratamente selezionati e design innovativi che integrano le ultime tecnologie, creando un’esperienza umana ed estetica moderna e raffinata.


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• Per cominciare, potresti raccontarci il tuo percorso personale e professionale e come ha influenzato il tuo ingresso nel mondo della progettazione di tende?

Mi chiamo Sawsan Al-Gailani. Sono nata e cresciuta nell’amata Baghdad, dove ho completato gli studi secondari. Il destino mi ha portato a sposare e accompagnare mio marito, che era uno studente dell’Università della California e stava proseguendo gli studi universitari.
. Ho colto l’occasione e ho fatto domanda per gli studi, conseguendo la laurea presso il California College of the Arts, specializzandomi in Architettura d’interni.


Ho proseguito gli studi post-laurea per due anni con l’ambizione di conseguire un Master, ma il destino mi ha benedetta con il mio primo figlio, che ha spostato la mia attenzione dagli studi accademici alla maternità a tempo pieno. Quando i miei figli sono cresciuti, ho deciso di lavorare in un’azienda la cui produzione principale erano le tende —è stato allora che mi sono innamorata di questo settore. Poco dopo ho deciso di avviare un’attività in proprio e ho fondato Gailani Designs Inc.


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• In che modo il gusto e la personalità di un cliente influenzano il design delle tende e la scelta del tessuto?

Durante il primo incontro —che di solito è un po’ lungo— ascolto attentamente tutte le esigenze e i desideri del cliente, do un’occhiata dettagliata alle stanze, ai mobili esistenti e alle forme delle finestre e valuto se ci sono dettagli architettonici o elementi unici che possono essere incorporati nel progetto finale. In seguito abbozzo le mie idee, che spesso vengono perfezionate o ulteriormente dettagliate. Poi seleziono i tessuti appropriati e presento le opzioni al cliente.


Ogni casa ha la sua personalità. Mobili, tende e accessori devono essere coordinati in modo da riflettere tale personalità ed esprimere l’individualità dei suoi residenti. Per me ogni finestra è una tela bianca in attesa della creatività di un pittore, o un pezzo di argilla in attesa delle mani dello scultore. Ogni tenda deve portare tocchi speciali che incarnano l’essenza del proprietario di casa.


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• Come si determina il tipo di tessuto giusto per ogni modello di tenda? Qual è la differenza tra l’utilizzo di tessuti leggeri rispetto a quelli pesanti?

Nella maggior parte dei casi, inizio dal design e poi scelgo i tessuti che si abbinano ad esso in termini di qualità, colore, consistenza e motivo. Ad esempio, i tessuti leggeri sono adatti per tantissime pieghe, mentre i tessuti pesanti sono più adatti per rivestimenti e drappeggi strutturati.



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• Hai progettato tende che bilanciano eleganza ed efficienza ambientale, come l’isolamento termico o acustico? Come si ottiene questo risultato?

SÌ. Le considerazioni ambientali sono cruciali in termini di risparmio energetico. Il nostro obiettivo è sempre quello di ridurre la perdita di calore o di aria fredda. Ciò richiede l’uso di tessuti e rivestimenti isolanti, l’aggiunta di strati extra per l’isolamento e la garanzia di opzioni di oscuramento nelle camere da letto per i clienti che preferiscono l’oscurità completa —in particolare quelli che dormono fino a tardi nei fine settimana.


Per l’isolamento acustico, utilizziamo spesso tende a triplo strato con fodera pesante oltre a impiegare un dispositivo White Noise per ridurre al minimo il rumore esterno.


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• In base alla tua esperienza nel mercato statunitense, in particolare a Chicago, quali tipi di clienti sono maggiormente attratti dai tuoi progetti di tende? In che cosa le loro preferenze differiscono dalle altre?

In generale, gli americani tendono alla semplicità nel gusto e nella scelta. Ciò che rende distintivo un design, ad esempio, potrebbe essere la stampa del cognome o della firma del cliente sul tessuto della tenda —soprattutto negli uffici— o l’utilizzo di una colonna in pietra o materiale simile come punto focale.


A volte aggiungiamo quello che io chiamo “l’elemento sorpresa”—, come tende motorizzate che si aprono per qualche minuto al suono di una dolce musica classica, o faretti che illuminano la base della tenda con colori accentati che esaltano la tavolozza generale.

La maggior parte dei miei clienti sono professionisti aziendali che prestano grande attenzione ai dettagli delle loro case o dei loro luoghi di lavoro, poiché l’ambiente in cui vivono riflette il loro successo e la loro identità personale.


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• In che modo il design delle vostre tende contribuisce a esprimere l’identità culturale e a reintrodurre il patrimonio iracheno in modo contemporaneo?

Questa domanda mi ha fatto molto piacere. Molti clienti mi hanno detto che il mio lavoro è distintivo —anche quando semplice— e che supera ciò che offrono altre case di tende e concorrenti. . Non credo nei modelli già pronti o nei modelli di riciclaggio. Ogni casa ha la sua anima e il design deve essere in linea con questo spirito.


A volte, dopo aver completato un progetto, do un’ultima occhiata prima di andarmene e all’improvviso noto alcuni dettagli. In quel momento mi rendo conto che parte del mio background culturale mesopotamico si è manifestato sottilmente nel design. Essendo irachena e araba, incorporo naturalmente elementi come specchi, cristalli, accenti imbottiti, catene metalliche e motivi ad arco per infondere identità e unicità in ogni spazio.


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• Hai avuto un’esperienza di design che ha trasceso l’estetica e la funzionalità per diventare un messaggio umano o culturale?

SÌ. Diversi anni fa, un centro per la cura del cancro mi contattò chiedendomi se fossi disposta ad aiutare una giovane donna che lottava contro un tumore maligno al seno. Mi sono offerta volontaria per arredare e progettare le tende per due delle sue stanze—la camera degli ospiti e la sala da pranzo.


Quando ho parlato del progetto a un’amica americana, lei si è offerta di condividere i costi. Ho presentato l’idea al mio staff e tutti si sono uniti con entusiasmo a questo sforzo umanitario. Abbiamo ricevuto sconti su tessuti, materiali e manodopera, mentre io personalmente ho coperto la maggior parte delle spese.

Insieme al mio amico e al mio team, abbiamo completato l’arredamento in modo splendido. Quando la paziente entrò in casa sua, scoppiò a piangere, mi abbracciò forte e ringraziò me e i collaboratori, pronunciando parole che ancora riecheggiano nel mio cuore: “Signora, lei ha creato un meraviglioso santuario di cui potrò godere per il resto della mia vita.”

È stato un momento profondamente toccante che ha commosso tutti fino alle lacrime.


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• Qual è la tua opinione sull’integrazione della tecnologia moderna e dei sistemi intelligenti nella progettazione delle tende? Hai qualche esperienza in merito?

Al giorno d’oggi, nessuna casa è senza tecnologia intelligente. Le tende sono in prima linea in queste applicazioni. L’uso di elettricità o batterie per motorizzare le tende è molto comune, soprattutto per le famiglie con residenti anziani o persone con bisogni speciali.

Le tende possono essere programmate per aprirsi o chiudersi in orari specifici per proteggere i mobili dai danni del sole o per motivi di sicurezza durante il viaggio, facendo sembrare la casa occupata e riducendo i rischi di furto. A volte sono programmati per aprirsi prima dell’arrivo del proprietario di casa, in modo che la casa sembri accogliente e illuminata all’ingresso.


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• Quali sono le tue aspirazioni future come designer di tende? Hai intenzione di espandere il tuo marchio nei mercati arabi e globali o di spostarti in altri settori dell’interior design?

Attualmente la maggior parte del mio lavoro si svolge a Chicago, con visite regolari negli stati vicini come l’Indiana e il Wisconsin. Senza dubbio, aspiro a partecipare a mercati e mostre globali, in particolare negli Emirati Arabi Uniti, per espandere la mia attività e mostrare le mie lussuose collezioni di tende a livello internazionale.



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Biografia

Eredità familiare: la sua discendenza risale allo sceicco Abdul Qadir Al-Gailani, sepolto nel distretto di Bab Al-Sheikh a Baghdad.

Nascita ed educazione:
È nata e cresciuta nella famiglia di suo nonno, Abdul Rahman Al-Naqib, che era Naqib Al-Ashraf di Baghdad durante il dominio ottomano, e in seguito eletto primo Primo Ministro iracheno dopo la caduta dell’Impero Ottomano. Ha guidato il governo per tre mesi prima di dimettersi.

Percorso formativo e professionale:
Fin dall’infanzia, era appassionata di décor e interior design.

Dopo essere emigrata, scelse di studiare Architettura d’interni senza esitazione, basandosi sulle sue prime inclinazioni artistiche.









Interview with Iraqi Curtain Designer and Artist Sawsan Al-Gailani

Interviewed by: Donia Sahib – Iraq

“Sawsan Al-Gailani: Every window tells a story, and every curtain is a painting that reflects the spirit of the place and the cultural vision of its owner.”


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“Sawsan Al-Gailani: My success story blends the authenticity of Iraqi craftsmanship with the sophistication of global modern designs.”


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Iraqi designer Sawsan Al-Gailani began her creative journey in the world of curtain design, merging modernity with elegance, embodying a contemporary spirit through exceptional artistic innovations that harmonize with furniture and interior décor. For her, a curtain is not merely a piece of fabric that drapes across a window, but rather a vibrant work of art carrying the personal imprint of the homeowner and reflecting their cultural identity.

With extensive expertise and refined taste at an international level, she succeeded in making Gailani Designs Inc. a distinguished name in curtain design. Her artistic and cultural experience, spanning decades, took root during her migration to the United States and her settlement in Chicago—an experience that enriched her with deep knowledge of two distinct cultures.

Currently, she aims to expand her business into other countries, offering her luxurious collections in curtain design, with carefully selected fine fabrics and innovative designs that integrate the latest technologies, creating a modern and refined human and aesthetic experience.


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• To begin with, could you tell us about your personal and professional journey and how it influenced your entry into the world of curtain design?

My name is Sawsan Al-Gailani. I was born and raised in beloved Baghdad, where I completed my secondary studies. Destiny led me to marry and accompany my husband, who was a student at the University of California pursuing graduate studies. I seized the opportunity and applied for studies, earning my Bachelor’s degree from the California College of the Arts, specializing in Interior Architecture.


I pursued postgraduate studies for two years with the ambition of obtaining a Master’s degree, but fate blessed me with my first son, which shifted my focus from academics to full-time motherhood. When my children grew older, I decided to work at a company whose main production was curtains—that’s when I fell in love with this field. Soon after, I decided to start my own business, and thus I founded Gailani Designs Inc.


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• How do a client’s taste and personality influence curtain design and fabric selection?

During the first meeting—which is usually somewhat lengthy—I carefully listen to all of the client’s needs and desires, take a detailed look at the rooms, existing furniture, and window shapes, and consider whether there are any architectural details or unique elements that can be incorporated into the final design. Afterward, I sketch my ideas, which are often refined or further detailed. Then I select the appropriate fabrics and present the options to the client.


Every home has its own personality. Furniture, curtains, and accessories must be coordinated in a way that reflects that personality and expresses the individuality of its residents. To me, every window is a blank canvas waiting for a painter’s creativity, or a piece of clay awaiting the sculptor’s hands. Each curtain must carry special touches that embody the essence of the homeowner.


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• How do you determine the right type of fabric for each curtain design? What is the difference between using light versus heavy fabrics?

Most of the time, I begin with the design, and then choose fabrics that match it in terms of quality, color, texture, and pattern. For example, light fabrics are suitable for pleating and folds, whereas heavy fabrics are better for upholstery and structured drapery.



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• Have you designed curtains that balance elegance with environmental efficiency, such as thermal or acoustic insulation? How do you achieve this?

Yes. Environmental considerations are crucial in terms of energy conservation. Our goal is always to reduce the loss of heat or cool air. This requires using insulated fabrics and linings, adding extra layers for insulation, and ensuring blackout options in bedrooms for clients who prefer complete darkness—especially late sleepers on weekends.


For sound insulation, we often use triple-layered curtains with heavy lining in addition to employing a White Noise device to minimize external noise.


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• Based on your experience in the U.S. market, particularly in Chicago, what type of clients are most drawn to your curtain designs? How do their preferences differ from others?

Generally, Americans lean toward simplicity in taste and choice. What makes a design distinctive, for example, could be printing the family name or client’s signature onto the curtain fabric—especially in offices—or using a column made of stone or a similar material as a focal point.


Sometimes we add what I call “the element of surprise”—like motorized curtains that open to the sound of soft classical music for a few minutes, or spotlights illuminating the curtain base in accent colors that enhance the overall palette.

Most of my clients are business professionals who pay great attention to the details of their homes or workplaces, as the environment they live in reflects their success and personal identity.


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• How do your curtain designs contribute to expressing cultural identity and reintroducing Iraqi heritage in a contemporary way?

I was delighted by this question. Many clients have told me that my work is distinctive—even when simple—and that it surpasses what other curtain houses and competitors offer. I do not believe in ready-made templates or recycling models. Every home has its own soul, and the design must align with that spirit.


Sometimes, after completing a project, I take a last look before leaving, and suddenly notice certain details. At that moment, I realize that part of my cultural background from Mesopotamia has manifested itself subtly in the design. Being Iraqi and Arab, I naturally incorporate elements like mirrors, crystals, upholstered accents, metallic chains, and arch motifs to infuse identity and uniqueness into every space.


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• Have you had a design experience that transcended aesthetics and functionality to become a human or cultural message?

Yes. Several years ago, a cancer treatment center contacted me, asking if I was willing to help a young woman battling malignant breast cancer. I volunteered to furnish and design curtains for two of her rooms—the guest room and the dining room.


When I mentioned the project to an American friend, she offered to share the costs. I presented the idea to my staff, and they all eagerly joined this humanitarian effort. We received discounts on fabrics, materials, and labor, while I personally covered the majority of the expenses.

Together with my friend and team, we completed the décor beautifully. When the patient entered her home, she burst into tears, hugged me tightly, and thanked me and the contributors, saying words that still echo in my heart: “Madam, you have created a beautiful sanctuary for me to enjoy for the rest of my life.”

It was a profoundly touching moment that moved everyone to tears.


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• What is your view on integrating modern technology and smart systems into curtain design? Do you have any experience with this?

Nowadays, no home is without smart technology. Curtains are at the forefront of these applications. Using electricity or batteries to motorize curtains is very common, especially for households with elderly residents or people with special needs.


Curtains can be programmed to open or close at specific times to protect furniture from sun damage, or for security reasons while traveling, making the home appear occupied and reducing theft risks. Sometimes they’re programmed to open before the homeowner arrives, so the house feels welcoming and lit upon entry.


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• What are your future aspirations as a curtain designer? Do you plan to expand your brand into Arab and global markets, or move into other areas of interior design?

Currently, most of my work is based in Chicago, with regular visits to neighboring states such as Indiana and Wisconsin. Without a doubt, I aspire to participate in global markets and exhibitions, particularly in the UAE, to expand my business and showcase my luxurious curtain collections internationally.



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Biography

Family Heritage: Her lineage traces back to Sheikh Abdul Qadir Al-Gailani, buried in Baghdad’s Bab Al-Sheikh district.

Birth and Upbringing:
She was born and raised in the household of her grandfather, Mr. Abdul Rahman Al-Naqib, who was Baghdad’s Naqib Al-Ashraf during Ottoman rule, and later elected as Iraq’s first Prime Minister after the fall of the Ottoman Empire. He headed the government for three months before resigning.

Educational and Professional Path:
Since childhood, she was passionate about décor and interior design.

Upon emigrating, she chose to study Interior Architecture without hesitation, building upon her early artistic inclinations.



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Foto cortesia delle tende create dalla designer e artista di tende irachena Sawsan Al-Gailani

Gabriela Franco omaggia Michael Jackson nel giorno del suo compleanno

Foto cortesia di Gabriela Franco – Ecuador

“Questo 29 agosto, il mondo degli amanti della musica pop ricorda con affetto il compleanno di Michael Jackson, iconico cantautore e ballerino, noto come “Il Re del Pop”.

Non componeva né cantava esclusivamente nel genere pop. La sua musica comprende un’ampia varietà di generi come pop, rhythm and blues (soul e funk), rock, disco e dance.
Michael Jackson è uno degli artisti musicali che, anche dopo la sua scomparsa, ha mantenuto le vendite più alte di tutti i tempi.
Sebbene alcuni aspetti della vita personale di Jackson, come il suo aspetto mutevole, le sue relazioni personali e altre situazioni abbiano generato controversie, dall’inizio della sua carriera fino ad oggi, ha goduto della sincera ammirazione e dell’affetto di persone in tutto il mondo.
E così, https://gabrielafranco.com/ Gabriela Franco, artista ecuadoriana con una brillante carriera musicale lunga 17 anni, pubblica questo 29 agosto 2025, che sarebbe stato il 67° compleanno del grande Michael Jackson, se fosse ancora vivo. Jackson, uno splendido tributo con la canzone “ALL MY LOVE IS YOU”, l’unica canzone in lingua spagnola registrata da Michael Jackson, con testi e produzione di Rubén Blades, Cantautrice latina di successo.
Gabriela Franco pubblica questa versione, prodotta interamente nel suo studio di registrazione. È il suo primo brano prodotto interamente come produttrice musicale, grazie alla sua laurea in ingegneria presso una prestigiosa università della capitale ecuadoriana.

Nota per la sua dedizione alla musica, Gabriela Franco ha prodotto digitalmente ciascuno degli strumenti del brano, mixandoli e masterizzandoli… registrazioni con la sua voce come solista principale… cori e ornamenti aggiunti anch’essi con la sua voce… oltre al mixaggio e al mastering dell’intero brano.
Il suo rispetto per il copyright, evidente in ogni cover che pubblica, è evidente anche in questa canzone, in cui ha eseguito il brano senza modificare, aggiungere o rimuovere alcuna parte del testo scritto da Blades per Jackson.
La cover è stata concessa in licenza dalla società responsabile della riscossione dei diritti d’autore. Autorizzazione agli editori che gestiscono i diritti d’autore.

Gabriela Franco è soddisfatta del lavoro svolto e vi invita ad ascoltarla e a seguirla su piattaforme digitali come Spotify, Deezer, Amazon, Google Play e YouTube Music, tra le più Importante.
Congratulazioni, Gabriela Franco!





“Este 29 de agosto, el mundo de los amantes de la música pop, recuerda con cariño, el natalicio de Michael Jackson, icónico cantautor y bailarín, llamado “El Rey del Pop”.
Él no compuso ni cantó únicamente en el género pop.  Su música incluye una amplia variedad de géneros como el pop, rhythm and blues (soul y funk), rock, disco y dance, 
Michael Jackson es uno de los artistas musicales que mantiene aún después de su transición de la tierra, las mayores ventas en todos los tiempos.
A pesar de que ciertos aspectos de la vida personal de Jackson, como su apariencia cambiante, sus relaciones personales y otras situaciones generaron controversia, cuenta desde inicios de su carrera hasta estos tiempos, con la admiración sincera y cariño de la gente en todo el mundo.
Y es así que https://gabrielafranco.com/ Gabriela Franco, artista ecuatoriana con 17 años de destacada trayectoria musical, lanza este 29 de agosto de 2025, en que cumpliría 67 años de edad –de estar vivo– el gran Michael Jackson, un hermoso tributo con la canción ”TODO MI AMOR ERES TÚ”, único tema en español grabado por Michael con letra y producción de Rubén Blades, exitoso cantautor latino.
Gabriela Franco, da a conocer esta versión realizada de manera integral, en su estudio de grabación.  Es su primera canción trabajada 100% como Productora Musical, gracias a su título de Ingeniera otorgado por una prestigiosa universidad de la capital del Ecuador.
Caracterizada por su dedicación a la música, Gabriela Franco ha realizado digitalmente, cada uno de los instrumentos para la pista, mixing y mastering de la misma… grabaciones con su voz como solista principal… coros y ornamentos agregados igualmente con su voz… así como mixing y mastering de la canción completa.
Su respeto por el copyright de las canciones, puesto de manifiesto en cada cover que lanza, está presente también en este tema en que ha realizado la interpretación en que no ha cambiado, agregado ni quitado ninguna parte de la letra escrita por Blades para Jackson.
El cover cuenta con la respectiva licencia de la empresa encargada de recabar la autorización a las editoras que manejan el copyright.
Gabriela Franco, se siente satisfecha del trabajo realizado y los invita a escucharlo, siguiéndola en las plataformas digitales, como Spotify, Deezer, Amazon, Google Play, Youtube Music, entre las más importantes.
Felicitaciones Gabriela Franco!”  

https://www.facebook.com/Gabriela.Franco.The.Singer/posts/pfbid032w87yhSiRseg9FrcbB1KDD9BhKCBbdDBQqWPPzBoRhvKehGbpfHwC9iuPSGfJyaRl?__cft__%5B0%5D=AZU2YmLJTDOwnbyfuwofCMJ3WvtwNdw-R8k_zjiuqpsp1LDrQJwikQco594l-icp_f8zgRTjnVOunEhUVtPS6RjsFrOaV4JRvR_dxgykYG3tn8StKWL5XgxstX50s5S3-GgZQYNHhYZwZ8vYf0plkABxuseg4t9eQ-KuMSbpxgzxL3ao6ZaqkHDVc5I4au0IJRQEB9gMMCm0Zfbo2toSt-Qv&__tn__=%2CO%2CP-R

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Donia Sahib – Iraq intervista Nohad Wathiq Al-Samarrai- Iraq

Foto cortesia condivise dalla giornalista Donia Sahib – Iraq

Nohad Wathiq Al-Samarrai: trasformare 70 dipinti dell’artista Naseer Shamma in design di moda globali che incarnano il tessuto delle culture orientali con uno spirito contemporaneo

Intervista di: Donia Sahib – Iraq

Con passi sicuri, la scrittrice e stilista irachena Nohad Wathiq Al-Samarrai, in collaborazione con il musicista e artista di fama mondiale Naseer Shamma, intraprende un progetto rivoluzionario e senza precedenti. Settanta opere d’arte di Shamma vengono trasformate in pezzi di moda unici che irradiano la bellezza e la magia dell’Oriente, riflettendo la diversità delle sue culture attraverso design innovativi che trasmettono lo spirito dell’era moderna con un tocco femminile creativo, tessendo fili di autenticità nella loro forma più raffinata.

Questo progetto va oltre il solo ambito della moda, estendendosi alla creazione di mobili artistici e gioielli ispirati ai dipinti di Shamma, in un’armonia estetica che fonde tradizione e modernità con notevole fluidità e gusto. Il risultato è un nuovo linguaggio visivo che incarna l’identità culturale orientale attraverso una lente contemporanea.

In questa intervista esclusiva, Nohad Wathiq Al-Samarrai svela i dettagli di questa esperienza multidimensionale, che rappresenta una pietra miliare significativa nel suo percorso artistico. Condivide inoltre la sua ambiziosa visione di aprire nuovi orizzonti per il dialogo tra belle arti, fashion design e culture del mondo attraverso un progetto che reinterpreta l’arte visiva come un’espressione viva ricca di colori, simboli e significati —traducendo la musica in un impulso spirituale che trascende il tempo, plasmando i momenti attraverso ritmo e melodia, posizionando al contempo il fashion design come una forma d’arte espressiva che fonde forma, consistenza, e funzionano in un messaggio culturale ed estetico universale.


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Come ti presenteresti al pubblico? Chi è Nohad Wathiq Al-Samarrai e quali sono state le fasi del tuo percorso professionale?

Sono Nohad Wathiq Al-Samarrai, stilista e scrittrice irachena. Ho studiato e mi sono specializzata in traduzione simultanea nel Regno Unito. Sono la figlia del defunto artista teatrale e architettonico Wathiq Al-Samarrai, uno dei pionieri del movimento teatrale negli Emirati Arabi Uniti. Sono nata il 13 settembre 1974 ad Abu Dhabi.

Ho iniziato la mia carriera nel settore petrolifero, lavorando con ADNOC e la International Petroleum Investment Company (IPIC) ad Abu Dhabi. Successivamente, nel 2020, mi sono avvicinata al mondo del fashion design e ho fondato nel Regno Unito Black Crown Label, una casa di moda dedicata alla creazione di design unici che uniscono autenticità e modernità.

Nel 2024 ho pubblicato un libro in due parti intitolato “Il viaggio di Al-Wathiq”, che documenta la vita di mio padre, Wathiq Al-Samarrai, e il suo ruolo pionieristico nella fondazione del teatro emiratino negli anni ’60. Il libro è stato presentato alla Biblioteca Mohammed bin Rashid di Dubai, alla presenza di illustri personalità della cultura e dei media, tra cui l’ambasciatore dell’Iraq negli Emirati Arabi Uniti, il dott. Muzafar Mustafa Al-Jubouri, e il dott. Habib Ghuloom, vicepresidente dello Youth Theatre for Arts.

Ho anche contribuito al libro “Theater in the UAE: Wathiq Al-Samarrai’s Experience in the 1960s and 1970s”, pubblicato dall’Arab Theater Authority. Documenta il viaggio di mio padre dal suo arrivo a Dubai il 22 aprile 1963 e il suo ruolo di primo piano nella creazione e nello sviluppo del movimento teatrale negli Emirati attraverso le sue esibizioni a Sharjah e Dubai.

Attraverso questo percorso, mi sforzo di preservare e documentare l’eredità culturale e artistica della mia famiglia, riflettendo al tempo stesso il mio profondo impegno per l’arte e la cultura sia negli Emirati Arabi Uniti che nella mia terra natale, l’Iraq.


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Come descrivi la tua collaborazione con l’artista e musicista Naseer Shamma nella ridefinizione del rapporto tra belle arti, musica e fashion design? Consideri questo progetto l’inizio di una nuova scuola artistica nella moda?

È un’esperienza unica, la prima del suo genere sia nel mondo arabo che a livello internazionale. Il mondo della moda è stato testimone di uno spettacolo senza precedenti basato interamente sulle belle arti come unica fonte di ispirazione e design.

Settanta dipinti furono trasformati in settanta abiti—una straordinaria celebrazione del colore come vita, movimento e cultura. Lo spettacolo fungeva da ponte visivo che collegava molteplici culture —araba, indiana, giapponese, curda e altre— con il colore al centro come simbolo universale ed estetico che trascende i confini.

Ciò che davvero contraddistingue questa esperienza è che, per la prima volta, una sfilata di moda è stata costruita interamente sulle opere di un singolo artista. I dipinti si trasformarono in tessuti pulsanti di vita. Non si è trattato semplicemente di un evento di moda—, ma della nascita di una nuova consapevolezza che amplia il ruolo del dipinto e ne globalizza l’estetica, trasformando la moda in un mezzo di espressione dell’essenza della femminilità e del suo valore culturale e umano.


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Quali tipi di tessuti hai scelto per riprodurre i colori e i motivi dei dipinti di Naseer Shamma e perché proprio questi materiali?

Abbiamo scelto con cura taffetà, chiffon, seta naturale, insieme a nuovi tessuti innovativi. Questi materiali sono stati selezionati per la loro flessibilità e capacità di mettere in risalto i dettagli intricati dei colori e dei motivi, aggiungendo un tocco artistico degno delle opere d’arte che li hanno ispirati.


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Quali sono le prime fasi della presentazione di questi modelli di moda e dove si terranno le sfilate?

La prima vetrina privata avrà luogo per un gruppo selezionato di personaggi internazionali a World Island l’11 giugno, seguita da una mostra più ampia al The Agenda di Dubai il 15 giugno, alla quale parteciperanno importanti artisti e intellettuali del mondo arabo e non solo. Questa sfilata sarà la prima del suo genere a livello mondiale —sia in termini di numero di capi esposti, sia come prima sfilata di moda mai organizzata su un’isola.

Successivamente, lo spettacolo viaggerà a livello internazionale, iniziando con Alamein City, per poi spostarsi a Londra, Parigi, Milano e al Louvre Abu Dhabi, oltre che in Qatar e Tokyo. Tra queste tappe, l’Iraq sarà la più significativa, poiché segnerà la mia primissima visita in patria. Lì si terrà la più grande sfilata di moda del mondo —un evento straordinario in cui mi unirò al Maestro Naseer Shamma in una fusione di arte, musica e moda.


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Come vedi l’impatto della presentazione di questi modelli nelle capitali della moda come Londra, Parigi, Milano e Tokyo?

Mi aspetto un impatto molto positivo, sia nel concetto che nell’esecuzione. Questo progetto non ha precedenti nel mondo della moda: traduce la creatività di un artista —Naseer Shamma— in una collezione di moda completa, in un modo che riflette accuratamente il suo spirito e le sue idee. Posso solo descriverlo come un nuovo “richiamo” o “grido” nel mondo della moda, soprattutto perché emerge da due figure irachene che portano questa visione nel mondo.


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Cosa significa per te presentare la prima sfilata di moda in Iraq, la tua patria, insieme a Naseer Shamma?

Sono profondamente emozionata, perché tornare in Iraq e presentare questo progetto globale ha per me un significato molto speciale. Lo spettacolo sarà straordinario sotto tutti gli aspetti nel settore della moda.
Baghdad, la capitale dell’Iraq, sarà la prima città al mondo a ospitare una mostra con 100 capi di moda, tutti progettati a livello globale e interamente ispirati alle opere di un artista, lo stimato musicista e pittore Naseer Shamma —i suoi dipinti trasformati in modelli di moda pulsanti di creatività, arte e bellezza.

Per me quel momento sarà eccezionale sotto ogni aspetto. Non si tratta solo di partecipare a una sfilata di moda—, è un messaggio che punta i riflettori sull’Iraq, sull’arte irachena e sulla cultura irachena, restituendo loro il giusto posto sulla scena mondiale in un modo degno della storia e della creatività dell’Iraq.


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Alla luce dei rapidi progressi tecnologici e della crescente dipendenza dall’intelligenza artificiale, come vedi l’impatto di queste tecnologie sul design della moda, sulla creazione di tessuti, sulla pittura e sulla composizione musicale? Credi che questi strumenti rappresentino una minaccia per l’autenticità e il tocco umano che esprimono le emozioni dell’anima nelle belle arti?

Credo nell’importanza di trarre vantaggio dall’intelligenza artificiale, ma entro certi limiti. L’intelligenza artificiale non svolgerà un ruolo importante nel lavoro artistico perché l’arte richiede sempre il tocco umano che trasmette l’anima, le emozioni e i pensieri dell’artista.

È l’intelligenza umana che sfrutta l’intelligenza artificiale per servire la creatività —non il contrario. Credo fermamente che l’IA sia uno strumento, ma non potrà mai sostituire completamente l’essere umano.


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Esiste un progetto futuro per utilizzare i dipinti di Naseer Shamma nella progettazione di mobili?

Sì, assolutamente! Abbiamo già iniziato a lavorare per incorporare i disegni di Naseer Shamma nella progettazione dei mobili. Attualmente sto creando un pezzo che fonde tradizione e modernità, insieme a un progetto per stoviglie, ceramiche e gioielli. Tutti questi progetti sono interamente ispirati alle opere di Shamma e riflettono il suo spirito creativo in nuove forme artistiche.


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Qual è il messaggio culturale ed estetico che intendete trasmettere attraverso questo progetto?

Il mio messaggio è quello di mettere in luce l’identità culturale e artistica delle donne arabe in un contesto contemporaneo, facendo rivivere il patrimonio con uno spirito rinnovato e presentando al contempo un’immagine olistica che incarna modestia, bellezza, eleganza e grazia. Aspiro a che i miei progetti siano uno specchio di questi valori, rappresentando le donne arabe con tutta l’autenticità, la dignità, l’orgoglio e la bellezza che portano con sé.










Nohad Wathiq Al-Samarrai: Transforming 70 Paintings by Artist Naseer Shamma into Global Fashion Designs that Embody the Fabric of Eastern Cultures with a Contemporary Spirit

Interview by: Donia Sahib – Iraq

With confident steps, Iraqi writer and fashion designer Nohad Wathiq Al-Samarrai, in collaboration with world-renowned musician and artist Naseer Shamma, embarks on a groundbreaking and unprecedented project. Seventy of Shamma’s artworks are being transformed into unique fashion pieces that radiate the beauty and magic of the East, reflecting the diversity of its cultures through innovative designs that carry the spirit of the modern era with a creative feminine touch, weaving threads of authenticity in their finest form.

This project goes beyond the realm of fashion alone, extending to the creation of artistic furniture pieces and jewelry inspired by Shamma’s paintings, in an aesthetic harmony that blends heritage with modernity with remarkable fluidity and taste. The result is a new visual language that embodies Eastern cultural identity through a contemporary lens.

In this exclusive interview, Nohad Wathiq Al-Samarrai reveals details of this multidimensional experience, which represents a significant milestone in her artistic journey. She also shares her ambitious vision of opening new horizons for dialogue between fine arts, fashion design, and world cultures through a project that reinterprets visual art as a living expression brimming with colors, symbols, and meanings—translating music into a spiritual pulse that transcends time, shaping moments through rhythm and melody, while positioning fashion design as an expressive art form that merges form, texture, and function into a universal cultural and aesthetic message.


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How would you introduce yourself to the public? Who is Nohad Wathiq Al-Samarrai, and what have been the stages of your professional journey?

I am Nohad Wathiq Al-Samarrai, an Iraqi fashion designer and writer. I studied and specialized in simultaneous translation in the United Kingdom. I am the daughter of the late theatrical and architectural artist Wathiq Al-Samarrai, one of the pioneers of the theater movement in the United Arab Emirates. I was born on September 13, 1974, in Abu Dhabi.

I began my career in the oil sector, working with ADNOC and the International Petroleum Investment Company (IPIC) in Abu Dhabi. Later, I transitioned into the world of fashion design and founded Black Crown Label in the UK in 2020, a fashion house dedicated to creating unique designs that bridge authenticity and modernity.

In 2024, I published a two-part book titled “The Journey of Al-Wathiq”, documenting the life of my father, Wathiq Al-Samarrai, and his pioneering role in founding Emirati theater during the 1960s. The book was launched at the Mohammed bin Rashid Library in Dubai, attended by distinguished cultural and media figures, including the Ambassador of Iraq to the UAE, Dr. Muzafar Mustafa Al-Jubouri, and Dr. Habib Ghuloom, Vice President of the Youth Theatre for Arts.

I also contributed to the book “Theater in the UAE: Wathiq Al-Samarrai’s Experience in the 1960s and 1970s”, published by the Arab Theater Authority. It documents my father’s journey from his arrival in Dubai on April 22, 1963, and his prominent role in establishing and developing the theater movement in the Emirates through his performances in Sharjah and Dubai.

Through this path, I strive to preserve and document my family’s cultural and artistic legacy while reflecting my deep commitment to art and culture both in the UAE and in my homeland, Iraq.


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How do you describe your collaboration with artist and musician Naseer Shamma in redefining the relationship between fine art, music, and fashion design? Do you consider this project the beginning of a new artistic school in fashion?

It is a unique experience, the first of its kind both in the Arab world and internationally. The fashion world witnessed an unprecedented show based entirely on fine art as its sole source of inspiration and design.

Seventy paintings were transformed into seventy dresses—an extraordinary celebration of color as life, movement, and culture. The show served as a visual bridge connecting multiple cultures—Arab, Indian, Japanese, Kurdish, and others—with color at its core as a universal and aesthetic symbol that transcends borders.

What truly distinguishes this experience is that, for the first time, a fashion show was built entirely on the works of a single artist. The paintings were transformed into fabrics pulsating with life. This was not merely a fashion event—it was the birth of a new awareness that expands the role of the painting and globalizes its aesthetics, turning fashion into a medium of expression for the essence of womanhood and her cultural and human value.


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What types of fabrics did you select to carry the colors and motifs of Naseer Shamma’s paintings, and why these materials in particular?

We carefully chose taffeta, chiffon, natural silk, along with innovative new fabrics. These materials were selected for their flexibility and ability to highlight the intricate details of the colors and patterns, adding an artistic touch worthy of the artworks that inspired them.


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What are the first stages of presenting these fashion designs, and where will the shows be held?

The first private showcase will take place for a select group of international figures on World Island on June 11, followed by a larger show at The Agenda in Dubai on June 15, attended by leading artists and intellectuals from the Arab world and beyond. This show will be the first of its kind globally—both in terms of the number of showcased pieces and as the first fashion show ever staged on an island.

Afterwards, the show will travel internationally, starting with Alamein City, then moving to London, Paris, Milan, and the Louvre Abu Dhabi, as well as Qatar and Tokyo. Among these stops, Iraq will be the most significant, as it will mark my very first visit to my homeland. There, the largest fashion show in the world will be held—an extraordinary event in which I will join Maestro Naseer Shamma in a fusion of art, music, and fashion.


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How do you see the impact of showcasing these designs in fashion capitals such as London, Paris, Milan, and Tokyo?

I expect a highly positive impact, both in concept and execution. This project is unprecedented in the fashion world, translating the creativity of one artist—Naseer Shamma—into a full fashion collection in a way that accurately reflects his spirit and ideas. I can only describe it as a new “call” or “cry” in the fashion world, especially since it emerges from two Iraqi figures carrying this vision to the world.


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What does it mean to you to present the first fashion show in Iraq, your homeland, alongside Naseer Shamma?

I am deeply excited, because returning to Iraq and presenting this global project holds a very special meaning for me. The show will be extraordinary by all measures in the fashion industry. Baghdad, the capital of Iraq, will be the first city in the world to host a show featuring 100 fashion pieces, all globally designed and entirely inspired by the works of one artist, the esteemed musician and painter Naseer Shamma—his paintings transformed into fashion designs pulsating with creativity, art, and beauty.

For me, that moment will be exceptional in every sense. It is not just participation in a fashion show—it is a message that shines a spotlight on Iraq, Iraqi art, and Iraqi culture, restoring their rightful place on the global stage in a manner worthy of Iraq’s history and creativity.


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In light of the rapid technological advancements and the growing reliance on artificial intelligence, how do you view the impact of these technologies on fashion design, fabric creation, painting, and musical composition? Do you think these tools pose a threat to the authenticity and human touch that express the soul’s emotions in fine arts?

I believe in the value of benefiting from artificial intelligence, but within limits. AI will not play a major role in artistic work because art always requires the human touch that conveys the artist’s soul, emotions, and thoughts.

It is human intelligence that harnesses AI to serve creativity—not the other way around. I firmly believe AI is a tool, but it can never fully replace the human being.


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Is there a future project to use Naseer Shamma’s paintings in furniture design?

Yes, absolutely! We have already begun working on incorporating Naseer Shamma’s drawings into furniture design. I am currently creating a piece that merges heritage with modernity, alongside a project for tableware, ceramics, and jewelry. All of these designs are entirely inspired by Shamma’s works, reflecting his spirit of creativity in new artistic forms.


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What is the cultural and aesthetic message you aim to deliver through this project?

My message is to highlight the cultural and artistic identity of Arab women in a contemporary framework, reviving heritage with a renewed spirit while presenting a holistic image that embodies modesty, beauty, elegance, and grace. I aspire for my designs to be a mirror of these values, representing Arab women with all the authenticity, dignity, pride, and beauty they carry.




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Foto cortesia condivise dalla giornalista Donia Sahib – Iraq

Il prof Kareem Abdullah -Iraq scrive l’analisi critica dalla lettura della filosofia del linguaggio narrativo espressivo nella raccolta: Weaving the Conscience – della poetessa: Jamila Mazraani – Libano meridionale – Rayhanat Al Arab.

Foto cortesia della copertina del libro della poetessa Jamil Maazaran – Libano meridionale – Rayhanat Al Arab.


Una lettura della filosofia del linguaggio narrativo espressivo nella raccolta: Weaving the Conscience – della poetessa: Jamila Mazraani – Libano meridionale – Rayhanat Al Arab.
Di: Karim Abdullah – Iraq.

Prima di iniziare a scrivere un’introduzione alla raccolta di poesie della poetessa Jamila Mazraani, dobbiamo innanzitutto comprendere il concetto di “poesia narrativa espressiva”.
Se la narrazione nella prosa tradizionale significa narrazione o racconto, e assume la forma di un discorso, una lettera o una descrizione, allora la narrazione in poesia, in particolare nella poesia narrativa espressiva, è “narrazione non per lo scopo della narrazione”. È una narrazione che si oppone alla narrazione e resiste al tempo lineare. Non è intesa a trasmettere una storia o una narrazione, ma piuttosto è impiegata per scopi puramente suggestivi, simbolici ed emozionali, elevando il valore del linguaggio e liberandolo dalla sua funzione dichiarativa. Nella poesia narrativa espressiva, non troviamo un tema specifico, personaggi o un evento spaziotemporale chiaro come nella narrativa o nei romanzi. Piuttosto, ci troviamo di fronte a una manifestazione emotiva interiore, traboccante di linguaggio e spinta al limite dello stupore. Questo tipo di poesia si preoccupa meno di “ciò che viene detto” che di “come viene detto”, e di come il linguaggio sprigioni il suo massimo potenziale nel rappresentare emozioni e passioni.
Per quanto riguarda l’espressionismo, si tratta dell’uso di un linguaggio carico di emozioni e passioni, che trae la sua energia dal sé stesso del poeta. Parla del suo essere più profondo, della sua ansia, della sua gioia, dei suoi ricordi e delle sue ferite, attraverso un alto grado di condensazione linguistica e sorprendenti cambiamenti stilistici, aprendo al lettore finestre sul mondo interiore nascosto del sé creativo.
La poesia narrativa espressiva è scritta sotto forma di paragrafi in prosa coesi, senza divisioni, spazi o interruzioni. Piuttosto, emerge come una massa unica e coesa, orizzontale nella forma, verticale nel sentimento, densa nel suo immaginario poetico e traboccante di radiosa energia emotiva.
La raccolta di poesie della poetessa Jamila Mazraani è un esempio lampante di questa moderna tendenza poetica. È più di semplici testi poetici; è un’esperienza emotiva vibrante, che esprime un sé femminile ansioso e consapevole, permeato da un vivo senso di patriottismo e umanità. In questa raccolta, leggiamo gli specchi e le increspature del sé, la rivoluzione della memoria e la seduzione del linguaggio che si trasforma in uno strumento di resistenza e una voce di protesta e, allo stesso tempo, in un inno alla bellezza.
Questa raccolta è un invito aperto a lettori, critici e studiosi a esplorare, riflettere e approfondire l’estetica del linguaggio poetico intessuto dalla poetessa, dove il linguaggio si trasforma in un essere vivo e vibrante, capace di provocare la coscienza e rivelare gli aspetti nascosti del sé e dell’universo. Non c’è dubbio che questa raccolta, con la sua specificità formale e sostanziale, costituirà un importante punto di riferimento nello studio del poema narrativo espressivo e un fertile spazio critico per letture multidimensionali che dialogano con il linguaggio, il sé e il mondo da una nuova prospettiva poetica.

Introduzione:

Al cospetto della poesia, dove le parole pulsano con lo spirito del Sud, la poetessa Jamila Mazraani emerge come un fiore profumato, diffondendo la fragranza delle lettere lungo le rive della coscienza. Non è semplicemente una voce femminile che canta la bellezza o il desiderio, ma piuttosto la voce del dolore ereditato, l’eco della terra soffocata dal tradimento e il palpitare della memoria in un tempo che si affida al desiderio e non offre altro che perdita.
“Tessere la coscienza” non è semplicemente una raccolta di poesie; È un delicato tessuto di fili di dolore, consapevolezza e passione, intessuto con la cura delle dita della poetessa, una donna che porta con sé le preoccupazioni del Sud e vede con un terzo occhio la fragilità del momento, l’appassire della pioggia e il bruciore dell’infanzia. In ogni poesia, Mazraani ci presenta un linguaggio saturo di simbolismo, intriso di narrazione espressiva, dove la retorica si interseca con la biografia, il sé si fonde con la patria e l’inchiostro diventa un’estensione del sangue. In “La fragilità dell’attimo”, la poetessa afferra le redini del tempo fugace, osservandone le trasformazioni e mettendo a nudo i capitoli dell’assenza e dell’estinzione, come se stesse raccontando la fragilità dell’essere umano in un’epoca di perdite successive. Poi, in “L’eredità degli antenati”, la vediamo riversare il dolore dell’appartenenza e reclamare la patria dalle bocche dell’esilio, piantandola nei ricordi dei giovani e nei quaderni dell’infanzia, come se stesse scrivendo un ultimo inno di lealtà prima che il significato venga cancellato sotto le macerie dell’incuria. In “Ossessioni di sterilità”, Jamila Mazraani combina magistralmente la siccità naturale e spirituale, dove la pioggia simboleggia l’amore e la sterilità, metafora della perdita di sicurezza e di sentimenti sinceri. In “Il tuo suolo dorato”, compone un’elegia per la patria, a volte con l’orgoglio del vincitore, a volte con l’angoscia del lutto, gridando in faccia a coloro che hanno svenduto la terra e la storia: “Che chi piange per te, mia patria, non viva!”. In questa raccolta, la poetessa si affida a una profonda filosofia poetica, usando il linguaggio non come strumento di comunicazione, ma come atto di resistenza e arma per una rivelazione sincera. Si affida alla memoria come ultima terra ancora da confiscare e alla poesia come rifugio in un tempo in cui le coscienze sono state esiliate.
Ogni poesia qui è un capitolo nella storia di un dolore collettivo, che attraversa il cuore di una donna che scrive mentre respira, evocando il Sud non solo come geografia, ma come entità emotiva, storica e umana, pulsante di sangue, martiri, sorgenti e dolore.
“Tessere la coscienza” è un viaggio poetico per una persona stanca che non si stanca mai d’amore, per una patria la cui luce non svanisce mai negli occhi, per ricordi che non arrugginiscono mai e per una lettera che ha dato vita dal grembo della sofferenza a una lingua che non muore mai.
Congratulazioni alla poesia per una poetessa che custodisce le sue braci e non brucia mai, ricamando il desiderio in un tempo arido.
Karim Abdullah
Iraq – Baghdad
26 maggio 2025





قراءة في فلسفة اللغة السردية التعبيرية في ديوان : نسج الوجدان – للشاعرة : جميلة مزرعاني – لبنان الجنوب – ريحانة العرب.
بقلم : كريم عبدالله – العراق .
قبل البدء بكتابة مقدمة لديوان الشاعرة جميلة مزرعاني، لا بد من الوقوف أولًا على مفهوم “القصيدة السردية التعبيرية”.
فإذا كان السرد في النثر التقليدي يعني الحكي أو القصّ، ويأخذ شكل خطاب، رسالة، أو وصف، فإن السرد في الشعر، وتحديدًا في القصيدة السردية التعبيرية، هو “سرد لا بقصد السرد”. إنه السرد الذي يُمانع الحكاية ويقاوم الخطية الزمنية، حيث لا يُراد به إيصال قصة أو رواية، بل يُوظَّف لغايات إيحائية، رمزية، وشعورية بحتة، تُعلي من قيمة اللغة وتحرّرها من وظيفتها التقريرية.
في القصيدة السردية التعبيرية، لا نجد ثيمة محددة، ولا شخصيات، ولا حدثًا زمكانيًا واضحًا كما في السرد القصصي أو الروائي. بل إننا بإزاء تجلٍّ شعوريّ داخليّ، يفيض باللغة ويدفعها إلى تخوم الدهشة. إن هذا النوع من الشعر، لا يهتم بـ”ماذا يُقال” بقدر ما يُعنى بـ”كيف يُقال”، وكيف تُفجّر اللغة إمكاناتها القصوى في تصوير العاطفة والانفعال.
أما عن التعبيرية، فهي استخدام لغة مشحونة بالمشاعر والانفعالات، تستمد طاقتها من الذات الشاعرة نفسها، فتتحدث عن دواخلها، عن قلقها، فرحها، ذاكرتها، وجروحها، عبر تكثيف لغويّ عالي، وانزياحات أسلوبية مبهرة، تفتح أمام القارئ نوافذ على العالم الداخلي الخفيّ للذات المبدعة.
تُكتب القصيدة السردية التعبيرية على شكل فقرات نثرية متلاحمة دون تشطير أو بياضات أو تقطيعات، بل تأتي ككتلة واحدة متماسكة، أفقيّة الشكل، عامودية الشعور، عالية الكثافة في صورها الشعرية، وممتلئة بطاقة شعورية متوهّجة.
وديوان الشاعرة جميلة مزرعاني هو نموذج بارز لهذا الاتجاه الشعري الحديث. إنه أكثر من مجرد نصوص شعرية؛ بل هو تجربة شعورية طافحة، تعبّر عن ذات أنثوية قلقة، واعية، مشبعة بحس وطني وإنساني حادّ. نقرأ في ديوانها هذا مرايا الذات وتموجاتها، ثورة الذاكرة، وغواية اللغة حين تتحول إلى أداة مقاومة وصوت احتجاج، وفي الوقت نفسه إلى نشيد جمال.
هذا الديوان دعوة مفتوحة للقارئ، الناقد، والدارس، للاطلاع والتأمل، والاستزادة من جماليات اللغة الشعرية التي تنسجها الشاعرة، حيث تتحول اللغة إلى كائن حيّ، نابض، قادر على استفزاز الوعي وكشف المستور من النفس والكون.
ولا شك أن هذا الديوان، بما يحمله من خصوصية شكلية ومضمونية، سيكون مرجعًا مهمًا في دراسة القصيدة السردية التعبيرية، ومساحة نقدية خصبة لقراءات متعددة الأبعاد، تحاور اللغة، والذات، والعالم من منظور شعري جديد.
المقدمة :
في حضرة القصيدة، حيث تنبض الكلمات بروح الجنوب، تتجلى الشاعرة جميلة مزرعاني كريحانة تنثر عبق الحرف على ضفاف الوجدان. هي ليست مجرد صوت نسائي يُنشد الجمال أو الحنين، بل هي صوت الوجع المتوارث، وصدى الأرض حين تُخنق بالخذلان، ورفيف الذاكرة في زمن يتكئ على الحنين ولا يمنح سوى الفقد.
“نسج الوجدان” ليس مجرد ديوان شعري، بل هو نسيج دقيق من خيوط الألم والوعي والوجد، حاكته أنامل الشاعرة بعناية أنثى تحمل همّ الجنوب وتبصر بعينٍ ثالثة هشاشة اللحظة واحتباس المطر واحتراق الطفولة. في كل قصيدة تطالعنا مزرعاني بلغةٍ مشبعة بالرمز، موغلة في السرد التعبيري، حيث تتقاطع البلاغة مع السيرة، وتتماهى الذات بالوطن، ويصبح الحبر امتدادًا للدم.
في قصيدة “هشاشة اللحظة”، تمسك الشاعرة بزمام الزمن الهارب، تراقب تحوّلاته، وتعرّي فصول الغياب والانطفاء وكأنها تؤرّخ لانكسار الكائن الإنساني في عصر الخسارات المتلاحقة. ثم نراها في “إرث الجدود” تسكب وجع الانتماء وتسترجع الوطن من فم الغربة، تزرعه في ذاكرة الصغار ودفاتر الطفولة، كأنها تكتب نشيد الولاء الأخير قبل أن يُطمس المعنى تحت ركام التجاهل.
أما في “وساوس الجدب”، فتجيد جميلة مزرعاني المزاوجة بين القحط الطبيعي والروحي، حيث المطر رمز للحب، والجدب استعارة لفقدان الأمان والمشاعر الصادقة. وفي “ثراك الذهب”، تصوغ مرثية للوطن، تارة بفخر المنتصر، وتارةً بلوعة المكلوم، لتصرخ في وجه من باع الأرض والتاريخ: ما عاش من يبكيك يا وطني!
في هذا الديوان، تتكئ الشاعرة على فلسفة شعرية عميقة، تتوسّل اللغة لا كأداة تواصل، بل كفعل مقاومة، وسلاح للبوح الصادق. فهي تُراهن على الذاكرة كأرض أخيرة لم تُصادر بعد، وعلى القصيدة كملاذٍ في زمنٍ باتت فيه الضمائر منفية.
كل قصيدة هنا، فصل من سيرة وجع جماعي، يمر عبر قلب أنثى تكتب كما تتنفس، وتستحضر الجنوب لا كجغرافيا فحسب، بل ككيان عاطفي وتاريخي وإنساني، ينبض بالدماء والشهداء والينابيع والأسى.
“نسج الوجدان” هو سفرٌ شعريّ لمتعبٍ لا يكلّ من الحبّ، لوطنٍ لا يخبو نوره في العين، لذكريات لا تعرف الصدأ، ولحرفٍ أنجب من رحم المعاناة لغة لا تموت.
هنيئًا للقصيدة بشاعرة تُمسك بجمرها ولا تحترق، وتُطرّز الحنين في زمنٍ جاف.
كريم عبد الله
العراق – بغداد
26/5/ 2025

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Marcela Barrientos -Argentina condivide la poesia sulla Pace

Foto cortesia di Marcela Barrientos -Argentina


Titolo: Io sono la pace

Io sono la pace,
sono nata dal mormorio di un fiume che abbraccia le pietre
e del vento che non fa male, solo accarezza.
Cammino scalza tra i corpi stanchi,
il mio alito profuma di terra bagnata e pane appena sfornato.

Non grido, ma la mia voce si sente
nel silenzio dove l’altro non è un nemico,
ma uno specchio possibile.
La mia pelle non conosce confini,
il mio cuore non conosce razze,
batte in tutte le lingue dell’amore.

Mi nutro di piccoli atti:
una mano che non si chiude,
una parola che non umilia,
uno sguardo di conforto.
Dove c’è ascolto, io dimorerò.
Dove c’è tenerezza, io sboccio.

Non cerco eroi, ma anime disponibili
a seminarmi nei loro gesti quotidiani.
Sono l’ombra fresca sotto l’albero condiviso,
il filo invisibile che unisce senza legare,
l’inchiostro con cui si scrivono i futuri giusti.

Ma mi stanco anch’io.
Mi spezzano i proiettili che attraversano l’infanzia,
i muri che dividono,
le lingue affilate che strappano la dignità.
Non posso nascere dove regna il disprezzo.

A voi vengo a braccia aperte,
senza corone e bandiere,
solo con la speranza di un vestito.
Dammi spazio, dammi tempo,
Datemi gesti di bontà.

Io sono la pace.
E voglio far parte dell’umanità.

Marcela Barrientos 25-06-2025 Diritti di autore riservati Argentina
Lettura poetica in italiano di Elisa Mascia



Título: Yo soy la paz

Yo soy la paz,
nací del murmullo de un río que abraza las piedras
y del viento que no hiere, solo acaricia.
Camino descalza entre los cuerpos cansados,
mi aliento huele a tierra mojada y pan recién horneado.

No grito, pero mi voz se escucha
en el silencio donde el otro no es un enemigo,
sino un espejo posible.
Mi piel no distingue fronteras,
mi corazón no sabe de razas,
late en todos los idiomas del amor.

Me alimento de actos pequeños:
una mano que no se cierra,
una palabra que no humilla,
una mirada que consuela.
Donde hay escucha, habito.
Donde hay ternura, florezco.

No busco héroes, sino almas dispuestas
a sembrarme en sus gestos cotidianos.
Soy la sombra fresca bajo el árbol compartido,
el hilo invisible que une sin atar,
la tinta con la que se escriben futuros justos.

Pero también me canso.
Me quiebran las balas que atraviesan la infancia,
los muros que dividen,
las lenguas afiladas que rasgan la dignidad.
No puedo nacer donde reina el desprecio.

A ustedes vengo con los brazos abiertos,
sin coronas ni banderas,
solo con la esperanza por vestido.
Denme espacio, denme tiempo,
denme gestos de bondad.

Yo soy la paz.
Y quiero ser parte de la humanidad.

Marcela Barrientos 25-06-2025                                                                                                                                               Derechos de autora reservados Argentina


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